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Comment placer sa langue pour chanter ?

🎵 Pourquoi la langue est-elle si importante dans le chant ?

Quand on débute en chant, on se concentre souvent sur la respiration ou la posture. Mais bien placer sa langue pour chanter est fondamental, souvent négligé. Elle influence directement :

  • la clarté des voyelles,

  • la qualité de la résonance,

  • la liberté du larynx.

Une langue mal placée = une voix bloquée

Si ta langue est tendue ou trop haute, elle peut bloquer le passage de l’air et réduire la résonance. Résultat : ta voix sonne « petite », « enfermée » ou « tendue ».

Comprendre le rôle de la langue en chant

1. Elle façonne les voyelles

C’est la langue qui donne leur forme aux voyelles. Mais contrairement à la parole, en chant, on doit conserver un espace ouvert et stable, surtout dans les registres aigus.

Exemple : regarde des chanteurs comme Adèle — sa langue reste basse et détendue, même sur des « i » en voix de tête.

2. Elle influence la résonance

Ta bouche est une cavité de résonance. Si la langue recule ou monte trop, elle ferme cet espace, notamment au niveau du pharynx et du voile du palais. Pour une voix libre et résonante, l’arrière de la langue doit rester détendu.

3. Elle interagit avec le larynx

Une langue tendue peut tirer ou comprimer ton larynx, ce qui limite la souplesse vocale. Un placement sain commence donc par une langue calme, détendue et libre de toute tension.

Les 3 objectifs à viser pour bien placer sa langue en chantant

  1. Détente maximale de la langue et de la mâchoire.

  2. Indépendance entre la langue et la mâchoire : la langue bouge seule pour articuler, sans entraîner le reste.

  3. Stabilité : éviter les mouvements excessifs en chantant, surtout à l’arrière de la langue.

4 exercices pratiques pour améliorer ton placement de langue

🔹 Exercice 1 : le « TR »

Fais rouler le « trrrrr » (le tongue trill). Cela engage un son libre, sans tension de la langue, avancée et détendue.
➡️ Astuce : tire légèrement la langue vers l’avant et tiens-la avec les dents si besoin.

🔹 Exercice 2 : les « Aie Aie Aie » sans mâchoire

Chante des « Aie Aie Aie » sans bouger la mâchoire. Seule la langue travaille.
➡️ Objectif : rendre la langue indépendante du mouvement de la mâchoire.

🔹 Exercice 3 : les « LA » articulés

Fais des « la la la » en utilisant la pointe de la langue (derrière les dents du haut), et l’arrière totalement détendu. 

🔹 Exercice 4 : tirer la langue

Chante les voyelles en tirant légèrement la langue vers l’avant (sans exagérer) dans une grande détente.
➡️ Tu verras que tu peux chanter sans tension du pied de langue. Sensation de clarté et d’ouverture garantie.

 

✅ À retenir

  • Une langue détendue et bien placée est la clé pour un son libre, ouvert et expressif.

  • Évite les tensions et les mouvements inutiles.

  • Pratique régulièrement les exercices pour gagner en maîtrise vocale

    Bonus : Pour aller plus loin

    🎓 Découvre ma formation “Les fondations de la voix” :
    Un programme en 4 étapes pour :

    • poser ta respiration,

    • stabiliser ta voix,

    • comprendre les mécanismes vocaux de base,

    • éviter les erreurs les plus fréquentes.

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Débuter le chant lyrique : Ce qu’il faut savoir !

Débuter le chant lyrique - 10 choses à savoir !

Salut les amis ! Aujourd’hui, je suis ravie de vous retrouver pour parler de chant lyrique, cette technique vocale classique utilisée à l’opera, mais pas que ! Cette vidéo (ou plutôt cet article !) a été conçue comme un guide destiné à tous ceux qui souhaitent débuter le chant lyrique. Nous allons explorer ensemble les éléments fondamentaux de cet univers : le répertoire, les spécificités, un peu de vocabulaire, et bien plus encore. Mon objectif ? Vous offrir une base solide pour comprendre et apprécier le chant lyrique. 

Pour ceux qui ne me connaissent pas, je suis Aurore Germain, chanteuse lyrique de formation. Sur cette plateforme, mon ambition est de vous aider à chanter avec une technique vocale saine. Une technique qui vous permettra de maîtriser pleinement votre voix et d’arrêter de la subir.

Le chant lyrique : Qu'est ce que c'est ?

Avant tout, qu’entend-on réellement par chant lyrique ? Il existe souvent une confusion sur le sujet. On peut aborder cette notion de deux façons :

  1. Le style musical : Le chant lyrique en tant qu’esthétique, souvent associé à l’opéra.

  2. La technique vocale lyrique : Une manière spécifique d’utiliser la voix, qui peut également s’appliquer à d’autres styles musicaux (comme le jazz ou le metal symphonique, que j’adore personnellement !).

Bien sûr, l’opéra repose sur cette technique lyrique, mais celle-ci ne se limite pas à ce répertoire. Elle peut être adaptée et intégrée dans d’autres genres musicaux.

Quel est la particularité du chant lyrique par rapport aux autres styles ?

La base de la technique vocale est identique, qu’il s’agisse de chanter de la pop comme Adèle ou Céline Dion, ou du chant lyrique : le souffle, les résonateurs, la détente de la gorge, etc.. Ce qui change, ce sont les ajustements que l’on ajoute au-dessus de cette base.

Dans le chant lyrique, on superpose des strates stylistiques spécifiques pour obtenir le résultat sonore désiré. Par exemple, il faudra adapter la résonance, la puissance ou le phrasé en fonction de l’époque ou du genre musical. Nous y reviendrons plus en détail.

Chant lyrique : Un repertoire plus large que l'on croit !

Contrairement aux idées reçues, le chant lyrique ne se limite pas à l’opéra. C’est un univers beaucoup plus vaste et diversifié, comprenant des genres tels que :

  • Les mélodies : Par exemple, celles de Fauré ou Debussy pour les plus connues. Mais il y a aussi celles de Poulenc ou Berlioz ! Il s’agit de poèmes mis en musique ! 

  • Les lieder : Notamment ceux de Schubert, Schumann, Strauss… C’est en quelque sorte l’équivalent de la mélodie Française mais en allemand. 

  • Les oratorios : Similaires à des opéras, mais avec des sujets religieux et non mis en scène. On pense au Messie de Handel, ou à La passion selon saint Matthieu de Bach !

  • Le chant liturgique : Religieux, comme son nom l’indique. La fameuse Messe en Ut de Mozart (quel chef d’oeuvre !). 

  • Les opérettes : Une version plus légère et humoristique de l’opéra, comme la Veuve Joyeuse de Strauss. 

Si ces catégories vous intéressent, dites-le-moi en commentaire pour que je puisse vous en parler plus en détail !

Les différentes périodes historiques

Le style et la technique du chant lyrique varient aussi selon les périodes musicales :

  • Moyen-Âge et Renaissance : Peu abordés aujourd’hui, mais importants historiquement. 

  • Baroque : Une période riche avec beaucoup d’airs d’opéra. Le style est plus accessible car il nécessite généralement moins de puissance vocale. 

  • Classique : Mozart est un excellent exemple de cette période.

  • Romantique : Avec des compositeurs comme Puccini et Verdi, cette époque met la puissance et la beauté de la voix en valeur. Attention cependant, ces œuvres demandent une technique vocale très développée.

  • Moderne et contemporaine : Incluant Debussy ou Poulenc, ces périodes offrent un répertoire parfois plus expérimental.

Si vous débutez, il peut être une bonne idée de commencer par des œuvres baroques, car elles sont souvent plus abordables techniquement (cela dépend) que celles de l’époque romantique. Par exemple, l’air “Lascia ch’io pianga” de Handel (tiré de Rinaldo) est un choix populaire pour les débutants.

Quelques recommandations pour commencer le chant lyrique

Si tu veux te lancer dans le chant lyrique, voici quelques conseils :

  1. Écoute les grands chanteurs lyriques pour t’imprégner du style, voici mes préférés :

    • Parmi les légendes intemporelles, on trouve :

      • Maria Callas, une artiste capable de chanter aussi bien des rôles de mezzo que de colorature.

      • Luciano Pavarotti, maître incontesté de l’émotion.

    • Du côté des chanteurs plus modernes :

      • Patricia Petibon, soprano colorature française, brillante dans le baroque et le contemporain.

      • Sabine Devieilhe, une autre soprano de talent.

      • Cecilia Bartoli, Mezzo soprano célèbre pour ses interprétations baroques.

    • Et plein d’autres : Philippe Jaroussky, Renée Flemming, Ana Netrebko, Magdalena Kocena, Roberto Alagna, Rolando Villazon… 

  2. Choisis un répertoire adapté à ton niveau et à ton type de voix :

    • Chaque période ou style peut convenir à différents niveaux. Par exemple, évite les grandes œuvres romantiques si tu débutes.

  3. Inspire-toi du répertoire débutant comme les Arie Antiche : Ces pièces ont été réunies spécialement pour les chanteurs en herbe.

La tessiture dans le chant lyrique

Quand on parle de tessiture, il est important de ne pas la confondre avec l’ambitus. L’ambitus représente simplement l’écart entre la note la plus grave et la plus aiguë qu’un chanteur peut atteindre, tandis que la tessiture se concentre sur les notes où la voix est la plus homogène, stable, et agréable, à la fois pour le chanteur et pour l’auditeur. Elle reflète l’endroit où les harmoniques naturelles de la voix sont pleinement mises en valeur.

  • Pourquoi la tessiture est-elle si importante dans le chant lyrique ?

    Contrairement au chant moderne où la transposition (modifier la tonalité d’une chanson) est courante pour s’adapter à la voix du chanteur, cette pratique est quasi inexistante à l’opéra. En effet, les compositeurs classiques comme Mozart, Verdi ou Wagner écrivaient spécifiquement pour des voix très précises, en tenant compte de leur tessiture. Par exemple, l’air de la Reine de la Nuit dans La Flûte Enchantée est conçu pour une soprano colorature, avec des aigus spectaculaires et une agilité vocale exceptionnelle. Changer la tonalité de ce type d’air trahirait l’essence de la composition.

  • Comment déterminer sa tessiture ?

    Identifier sa tessiture demande du temps, de la pratique et souvent l’aide d’un professeur expérimenté. Un débutant peut commencer par explorer ses capacités naturelles, mais c’est en travaillant la technique vocale qu’il découvrira progressivement les zones confortables de sa voix. C’est un processus évolutif, car la technique permet d’étendre ces zones au fil du temps, notamment dans les graves ou les aigus.

Chanter sans micro (l'origine de la technique lyrique)

Le chant lyrique se distingue aussi par sa puissance intrinsèque, rendue nécessaire pour dominer un orchestre sans amplification. Cette capacité à « projeter » la voix repose sur deux aspects principaux :

  1. Les résonateurs :

    La puissance vocale ne vient pas seulement des cordes vocales, mais de l’utilisation habile des résonateurs. Ces résonateurs naturels incluent la cavité buccale, le masque (zone nasale et frontale), et le pharynx.

    • Les chanteurs lyriques amplifient particulièrement une zone spécifique du spectre harmonique, souvent située autour de 3 000 Hz, une fréquence que l’oreille humaine perçoit particulièrement bien, même au milieu d’un orchestre. Ce phénomène est connu sous le nom de « formant du chanteur ».

  2. L’ouverture et la position du larynx :

    Une technique clé consiste à maintenir un larynx relativement bas (pas trop !) et à ouvrir le voile du palais (comme lors d’un bâillement, pas trop non plus !). Cette posture crée un espace suffisant pour que le son gagne en rondeur et en projection.

L'intelligibilité du texte : Un défit pour les chanteurs lyriques

Un aspect parfois critiqué dans le chant lyrique est la difficulté de comprendre les paroles. Cela s’explique par plusieurs facteurs :

  • La couverture du son : Pour obtenir ce son riche et rond propre à l’opéra, les chanteurs doivent ouvrir la bouche verticalement et maintenir une couverture vocale homogène. Cela peut altérer légèrement certaines voyelles, surtout dans les aigus.

  • L’équilibre texte-musique : À l’opéra, la priorité est souvent donnée à la beauté du son et à la projection, plutôt qu’à l’articulation claire des mots (attention, ce n’est en aucun cas un excuse, le chanteur lyrique doit travailler et tendre vers une prononciation parfaite). En revanche, dans des formes vocales plus intimistes comme les lieder ou les mélodies françaises, l’intelligibilité est davantage mise en avant.

Le chant lyrique : un art exigent qui n'est pas pour tous le monde ?

L’idée reçue selon laquelle le chant lyrique est inaccessible à la majorité des chanteurs est fausse. Bien que cette discipline soit exigeante, elle reste abordable pour toute personne motivée, à condition de :

  1. Choisir des airs adaptés à son niveau :

    Commencer avec des airs accessibles, comme ceux des « Airs Antiques », est une excellente façon d’aborder le chant lyrique. Ces mélodies, issues du répertoire baroque et réharmonisées au XIXe siècle, existent dans différentes tonalités, permettant à chacun de trouver une version adaptée à sa voix.

  2. Développer sa technique progressivement :

    Travailler la respiration diaphragmatique, le soutien vocal, et la détente musculaire est fondamental pour éviter de créer des tensions inutiles qui peuvent nuire à la progression.

  3. Être patient :

    Construire une voix lyrique peut prendre 10 ans ou plus de travail rigoureux, mais cela reste possible avec une méthode adaptée et une pratique régulière. 

     

J’espère que cet article t’aura éclairé sur le chant lyrique ; on se retrouve bientôt pour explorer ensemble d’autres facettes de cet art fascinant !

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Comment ouvrir pour bien chanter ?

Ouvrir pour bien chanter

Salut ! Aujourd’hui, on va parler de l’importance d’ouvrir pour bien chanter. Que ce soit l’ouverture de la bouche, de la mâchoire, de la voix, ou même des résonateurs, ce concept est essentiel en technique vocale. Mais que veut dire « ouvrir » concrètement, et comment l’appliquer ? Dans cet article, je vais t’expliquer concrètement comment ouvrir la bouche en chant lyrique, pour permettre de chanter sans effort et avec plus de résonance. L’ouverture est une grosse partie du travail pour obtenir une technique vocale en béton. 

L'importance de l'ouverture pour chanter

Avant de se plonger dans les détails techniques, il est essentiel de comprendre pourquoi on parle autant d’ouverture dans le chant. Nos cordes vocales vibrent grâce au flux d’air qui passe par la gorge. Mais pour que ces vibrations se transforment en un son harmonieux et résonnant, la gorge et les résonateurs doivent être ouverts, sans tensions parasites. Une ouverture adéquate permet à la voix de se libérer et de remplir l’espace sans effort.

En résumé : L’ouverture facilite la résonance, réduit les tensions et permet d’avoir une voix qui « porte » mieux.

Ouverture de la bouche vs ouverture de la mâchoire

Quand on te conseille d’ouvrir la bouche pour chanter, il ne s’agit pas uniquement d’ouvrir les lèvres ou d’abaisser la mâchoire. Une ouverture complète implique aussi la zone arrière de la bouche, là où se trouvent la langue et le voile du palais. Cette zone joue un rôle clé pour amplifier le son et éviter qu’il ne se « bloque » à l’avant.

Exercice : Le « Moito » vers « A »

  1. Commence par un son « Moito » (qui est fermé à l’arrière, car le voile du palais et la langue se touchent).

  2. Passe au son « A » en abaissant la langue pour dégager un espace à l’arrière de la bouche.

Cet exercice aide à comprendre la différence entre une ouverture frontale (avant de la bouche) et une ouverture complète qui implique également la gorge. En travaillant cet espace, tu permettras au son de mieux résonner. 

Voix nasale vs voix "dans le nez"

Une voix nasale résulte souvent d’une fermeture du voile du palais ou d’une position trop haute de la langue, ce qui dirige l’air vers le nez au lieu de la gorge. Bien que non dommageable, la voix nasale est souvent perçue comme « coincée » ou peu esthétique, en particulier pour des chants lyriques ou modernes qui requièrent de la clarté et de la puissance.

Exercice : Tester si ta voix est nasale

  • Chante une voyelle en te pinçant le nez.

  • Si le son change, cela signifie que ta voix est dans le nez.

En ouvrant légèrement le voile du palais, tu pourras diriger le flux d’air vers l’avant, sans passer par les voies nasales. Cela donne une voix plus claire et bien posée. Cet exercice permet également de développer la conscience de l’ouverture dans la gorge, qui est essentielle pour tous les styles de chant.

Ouvrir l'intérieur de la gorge : La "Deuxième bouche"

L’idée de la « deuxième bouche » est très utile pour les chanteurs. Elle fait référence à la zone entre le voile du palais et la base de la langue, située à l’arrière de la gorge. Cette « bouche intérieure » est particulièrement importante pour les voyelles, qui doivent être articulées en grande partie dans la gorge pour une meilleure résonance.

Exercice : Imaginer la deuxième bouche

  • À chaque voyelle chantée, concentre-toi sur une ouverture dans l’arrière de la bouche, comme si la gorge elle-même articulait le son.

  • Tu peux également visualiser cette ouverture comme un espace qui « s’élargit » vers le fond.

En développant cette habitude, tu apprendras à chanter sans « serrer » les sons vers l’avant. Les voyelles deviendront plus amples et rondes, ce qui est particulièrement utile pour le chant lyrique, mais aussi, dans une moindre mesure, pour le chant moderne.

Ouvrir le résonateur du masque

Les résonateurs, notamment ceux autour du nez et des pommettes (le masque), contribuent énormément à la projection de la voix. Lorsqu’on chante, ces cavités jouent un rôle de caisse de résonance qui amplifie le son naturellement.

Astuce : Utiliser le « Ronflement » pour Ouvrir les Résonateurs

  1. Fais un léger ronflement, comme si tu respirais de façon exagérée, pour sentir l’ouverture dans les cavités nasales.

  2. Maintiens cette sensation d’ouverture quand tu chantes une note.

Cet exercice active le résonateur du masque, augmentant ainsi le volume et la clarté de la voix. Cette technique est particulièrement efficace pour les notes aigües, qui nécessitent souvent une résonance plus marquée.

Erreurs courantes à éviter

Voici quelques erreurs fréquentes que font les chanteurs en débutant l’exercice d’ouverture, ainsi que des conseils pour les éviter :

Trop ouvrir la bouche devant : Beaucoup pensent que chanter avec une grande bouche ouverte devant suffit, mais si l’arrière est fermé, le son ne sortira pas bien.

Oublier la détente de la mâchoire : Une mâchoire crispée peut bloquer le passage de l’air, créant des tensions inutiles.

Forcer la voix vers le nez : Cela peut causer une voix « dans le nez » indésirable. Pense à baisser la langue et à ouvrir le voile du palais pour libérer la gorge.

Penser à ouvrir « en force : Cette erreur est très courante. Si tu penses à « écarteler » la gorge pour ouvrir, tu n’auras pas la meilleure ouverture. Ce sont des sensations subtiles de détente de zones qui mettent du temps à être conscientisées. Patience et persévérance ! 

Conseil : Travailler régulièrement les exercices d’ouverture et de respiration pour intégrer ces techniques en douceur.

Bonus : La respiration et l'ouverture

N’oublie pas que la respiration est primordiale pour bien chanter. En abaissant bien ton diaphragme en réalisant une inspiration profond tu créés de l’espace dans la gorge. Cela provoque une « ouverture dans la détente » qui peut considérablement changer ton confort et le son de ta voix ! Alors n’oublie JAMAIS la respiration ! 

Chanter c’est d’abord et avant tout une question de respiration et de souffle. 

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Contrôler sa voix – Maitriser le legato et le staccato

Legato et staccato

Contrôler sa voix - Legato et Staccato (Transcription)

Salut les amis ! 

Aujourd’hui, on parle de maîtrise et de contrôle de la voix. Plus exactement de contrôler sa voix par le Legato et le Staccato. En fin de compte, il s’agit surtout de contrôler son flux d’air. Nous allons aborder cette question avec deux exercices essentiels : le legato et le staccato. Pour moi, ces deux exercices te permettent de savoir où tu en es dans la maîtrise de ta voix. Si tu arrives à maîtriser ces deux types d’articulations, cela signifie que tu maîtrises déjà très bien ton souffle, ta respiration et la fermeture des cordes vocales. Ce sont deux points cruciaux pour avoir une bonne maîtrise de la voix.

Legato et Staccato : Pourquoi sont-ils si importants ?

Tous les chanteurs, peu importe leur style, doivent savoir les maîtriser, même si ce ne sont pas forcément des articulations que tu utiliseras tout le temps. Réussir ces exercices prouve que tu as une bonne maîtrise vocale.

Si tu ne me connais pas, je suis Aurore, chanteuse lyrique de formation et sophrologue. Sur cette chaîne, j’ai vraiment envie de t’apprendre la technique de base, c’est-à-dire apprendre à maîtriser ta voix et tous ses paramètres, indépendamment du style musical. Même si je fais aussi des vidéos spécifiques pour les chanteurs lyriques, ces techniques s’appliquent à tous les chanteurs.

"Contrôler sa voix" ?

Comme je te l’ai dit, contrôler sa voix, c’est avant tout maîtriser son souffle et avoir un bon contrôle des muscles de la gorge. Cela consiste aussi à savoir actionner ses cordes vocales au bon moment pour qu’elles vibrent bien, tout en gérant correctement le flux d’air. Pour être honnête, tout cela représente un aboutissement dans la technique vocale de base. Si tu as des problèmes de justesse, d’aigus, de souffle, de tensions dans la gorge ou de vibrato, vérifie que ta voix est bien placée sur le souffle et que tu contrôles bien ton flux d’air et la fermeture des cordes vocales.

J’en parle déjà dans plusieurs vidéos, et j’ai même créé une formation qui explique étape par étape comment placer la voix sur le souffle, gérer les tensions dans la gorge et commencer à faire résonner correctement ta voix. Si tu veux en savoir plus, je t’ai mis un lien dans la description.

Qu'est ce que le Legato ?

Le legato signifie « lié » en italien, et pour moi, c’est vraiment la base du chant. Chaque note doit être liée à la suivante grâce à ton souffle. Si ta voix est bien sur le souffle, tu réussiras à chanter en legato.

Le legato n’est pas réservé aux chanteurs lyriques. C’est un mode fondamental pour tous les chanteurs. Le souffle doit être régulier, que tu passes d’une note grave à une note aiguë, ou l’inverse. Il ne faut pas changer la vitesse d’air en fonction des notes, ton flux d’air doit rester constant.

Ce qui est souvent difficile, c’est la transition entre deux notes. Beaucoup de chanteurs arrêtent ou modifient leur souffle entre deux notes, ou font une petite articulation avec la gorge. Pourtant, chaque note doit être portée uniquement par le souffle, sans intervention de la gorge. Les changements de notes doivent se faire en ajustant la pression d’air et en étirant les cordes vocales, tout en maintenant le flux d’air régulier.

Comment chanter Legato - Exercice

Un bon exercice pour travailler le legato est le lip trill (vibration des lèvres). Passe d’une note à l’autre sans augmenter la vitesse d’air. Même si tu montes dans les aigus, la vibration des lèvres doit rester la même. Cela te permet de développer un souffle régulier, essentiel pour réussir le legato.

Un legato réussi, ce n’est pas simplement deux notes liées sans silence. Les deux notes doivent avoir le même espace de résonance et la même vitesse d’air. Pour y arriver, cela vient du souffle et du ventre. 

Staccato ou "notes piquées"

Le staccato, ou « notes piquées », correspond à des notes très courtes, séparées par des silences. Pour bien le faire, il faut que ton souffle arrive au même moment où tes cordes vocales s’accolent pour vibrer. Cela demande un contrôle précis de ton souffle et de la fermeture des cordes vocales.

Le staccato nécessite que l’air et les cordes vocales soient parfaitement synchronisés, avec une fermeture douce et une vibration dans la détente. Si tu réussis cet exercice, cela montre déjà une très bonne maîtrise vocale.

Comment faire le Staccato - Exercice

Pour t’entraîner au staccato, commence par des consonnes piquées avec ton ventre, comme un « ch » ou un « ss », en rentrant légèrement le ventre à chaque émission sonore. Fais-le d’abord de façon énergique, puis plus doucement pour contrôler l’air et la puissance.

L’important est d’avoir une bonne coordination entre le souffle et la fermeture des cordes vocales. Ensuite, tu peux essayer avec des voyelles, en gardant le contrôle sans donner de coups brusques.

Conclusion

Le legato et le staccato sont deux exercices techniques qui te permettront de savoir où tu en es dans la maîtrise de ta voix. Ils demandent un travail rigoureux, mais une fois maîtrisés, ils t’aideront à résoudre de nombreux problèmes vocaux.

N’hésite pas à me dire en commentaire si tu as réussi ces exercices et si tu as des questions. Si tu as aimé cette vidéo et que tu es motivé pour progresser, mets « Motivé » en commentaire ! Je te dis à très vite pour la suite de ton apprentissage vocal.

J’espère que cette version est plus fidèle tout en étant bien structurée. N’hésite pas si tu veux d’autres ajustements !

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Pourquoi et comment faire des vocalises pour travailler sa voix ?

Pourquoi et comment travailler sa voix avec des vocalises.

Tu as envie d’apprendre à chanter, mais tu te demandes si c’est réellement nécessaire de faire des vocalises ou des échauffements vocaux, ou peut-être que tu te demandes comment bien les faire ? Quelles vocalises faire ? Peut-être être que ça te barbe ? Si c’est le cas, cet article est pour toi parce qu’on va vraiment toucher un point essentiel pour booster ta progression vocale.

Sur Internet, nous sommes inondés de vocalises dans tous les sens, ce qui est fantastique car cela génère beaucoup d’idées. Cependant, il est essentiel de les utiliser judicieusement. À mon avis, il est important de comprendre le but derrière chacune de ces exercices vocaux et la manière de les exécuter correctement. J’espère que cet article t’aidera à t’y retrouver !

Les vocalises sont un précieux allié pour travailler et obtenir une excellente technique vocale.

A quoi servent les vocalises ?

À quoi servent les vocalises ? Est-ce que ça sert vraiment à chauffer les cordes vocales comme un sportif ? Dans le sens, chauffer les muscles pour éviter les blessures.

Pas vraiment…

Tu ne risques pas de te faire un claquage des cordes vocales. 

Les vocalises ne servent pas vraiment ou que à « chauffer les cordes vocales ». 

En tout cas, ce n’est pas pour cela qu’elles sont si interessantes !

Tu peux bien évidemment, utiliser les vocalises comme une préparation, une « mise en condition » avant de chanter, mais tu peux les utiliser pour plein d’autres raisons et de plein de façons différentes.

 Je t’en donne un gros aperçu dans cet article !

Faire des vocalises pour se mettre en condition

La première, c’est effectivement de l’utiliser comme « échauffement », mais pas dans le sens « échauffement sportif ». Dans le sens où tu viens réveiller les bonnes sensations. Tu viens réveiller la mémoire du corps. Et parfois, il faut un petit temps avant de retrouver le bon geste vocal et les bonnes sensations.

Les vocalises pour réveiller les bonnes sensations vocales

Les vocalises sont aussi des outils de travail pour faire évoluer ta voix. Chaque vocalise a été créé pour travailler une certaine problématique. De ce fait, chaque vocalise favorise l’emergence d’une sensation vocale, d’un placement. 

Tu vas donc choisir tes vocalises en fonction de tes problématiques.

Certaines vocalises vont t’aider à ouvrir le voile du palais, d’autres à sentir le masque, d’autres à mettre la voix sur le souffle, à ouvrir, à developper la puissance vocale, la justesse de la voix, la rondeur du son…. D’autres vont avoir plusieurs objectifs… 

La proprioception - Le super pouvoir des chanteurs

Et puisque les vocalises t’aident à sentir un geste vocal, il faut les répéter, répéter et répéter pour travailler ta proprioception, c’est-à-dire la mémoire musculaire. 

Il faut intégrer le geste vocal dans le corps. 

Bien sûr, cela n’est possible que si tu es attentif à ce qu’il se passe dans ton corps.

Tu peux faire autant de vocalises que tu veux, elles ne serviront à rien si tu n’adaptes pas une attitude d’écoute de ta voix et de ton corps !

Je suis là pour te dire la vérité ! Enfin.. ce que je pense être la vérité !

Ne rabâche pas des vocalises sans comprendre

Je fais toujours faire beaucoup de vocalises à mes élèves pour réussir à leur faire sentir ou trouver un son avec un exercice adapté qu’ils auraient du mal à trouver dans une chanson parce que trop de paramètres : justesse, rythme, paroles, interprétation, etc.

Parfois, il est difficile de trouver de bonnes sensations dans les chansons, car il y a trop de paramètres qui t’empêchent d’isoler une problématique. C’est en ce sens que les vocalises sont pratiques et pertinentes !

Maintenant, écoute-moi bien ! Je voudrais vraiment que tu comprennes quelque chose.

Ce n’est pas plus tu fais des vocalises à la chaine, plus tu vas progresser. Ce n’est pas comme cela que ton instrument fonctionne.

Ce n’est pas juste de la volonté comme pour obtenir le six pack d’abdos ! Là, il faut faire les bons exercices et de la bonne façon. Mais attention, encore une fois, je ne veux pas te faire peur, car il n’y a aucune raison ! Si tu adoptes la bonne attitude, c’est-à-dire, vérifier sans arrêt les tensions parasites, et écouter ton corps, il ne peut rien t’arriver !

Il n’y a pas de bonnes ou de mauvaises vocalises ! 

Il y a la façon dont tu les utilises, l’attitude que tu adoptes, et des vocalises qui sont adaptées ou non à ta voix, à ton niveau…

Il ne faut pas être passif face aux vocalises !

Faire des vocalises n'est pas obligatoire

J’aime bien demander à mes élèves de choisir une « chanson chausson ». 

C’est une chanson dans laquelle tu te sens très très confortable. Une chanson qui te permet de te mettre en condition, sans pour autant passer par les vocalises. 

Il s’agit d’une chanson simple, dans ta zone de confort qui te permet d’avoir facilement de bonnes sensations vocales.

Comment choisir ses vocalises

Il n’y a pas de règles absolues mais je peux te donner des conseils. En règles générales, c’est ton professeur de chant qui va te proposer des vocalises adaptées, mais si tu es autodidacte, je peux t’aider. N’oublie pas non plus d’aller lire l’article Apprendre à chanter seul, qui pourra te donner de précieuses informations. 

Chaque vocalises va travailler des points plus ou moins précis de ta voix. C’est donc à toi de cibler en fonction de tes problématiques. 

Je peux te donner quelques exemples parmi les vocalises les plus célèbres. 

  • Si tu as l’impression d’avoir la voix voilé avec des mucosités, tu peux essayer les Lip Trill. En rajoutant de la pression derrière les cordes cela peut nettoyer les cordes vocales.  
  • Si tu penses que ta voix manque de brillance, travaille le moito. 
  • Si tu trouves que ta voix manque d’énergie, travaille des notes piquées pour dynamiser ton diaphragme ! 
  • Si tu trouves que ta voix est tendue, travaille la paille ou les soupirs chantés !

Et toi ? Quelle est ta vocalise préférée ? Fais-tu des exercices vocaux ? 

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Comment projeter sa voix quand on chante ?

Bien projeter sa voix. Cercle concentrique.

As-tu déjà ressenti cette frustration de ne pas être entendu, même en parlant fort ? Ou bien cette sensation de devoir forcer sur ta gorge pour que ta voix porte suffisamment ? De ne pas avoir assez de puissance vocale ? Cette difficulté provient certainement du fait que tu ne sais pas bien projeter ta voix. 

La projection de la voix consiste à utiliser des techniques pour faire résonner la voix à l’intérieur de notre corps, permettant ainsi d’amplifier naturellement le son sans fatiguer la gorge. Je vais te présenter les éléments et étapes indispensables pour projeter sa voix en prenant soin de ses cordes vocales.

Qu’est ce que la projection vocale ? Et pourquoi c’est important...

La projection vocale est la capacité d’un chanteur à faire entendre sa voix au loin sans l’aide d’un micro. Certains possèdent cette aptitude naturellement, tandis que d’autres (la grande majorité) doivent la travailler.

Nombre de mes élèves se méprennent sur le terme de « projection ». Ils imaginent que la voix est un son qui sort de la bouche et doit être projeté loin vers l’avant. Cette visualisation mène souvent à une mauvaise utilisation du souffle, entraînant un forçage vocal. Ce n’est pas ainsi qu’il faut concevoir et ressentir la projection vocale. Il ne faut pas reproduire physiquement l’idée de « projeter » sa voix.

Projeter sa voix signifie se faire entendre de loin. Pour cela, il faut de la puissance et des harmoniques aigus, ce qu’on appelle aussi « l’accroche du son ». Ce n’est en aucun cas une question de projeter le souffle. Il est crucial de faire résonner la voix dans les résonateurs et, surtout, de se concentrer sur le plus important pour la puissance : le masque.

La projection vocale est donc le résultat d’une voix posée sur le souffle, bien soutenue, avec un son qui résonne efficacement dans le masque.

La résonance de la voix

Voyons maintenant ensemble comment faire résonner la voix. Tu dois savoir qu’il existe plusieurs résonateurs : le masque, le pharynx et la bouche. En fonction de la forme de ces résonateurs et de la qualité des muqueuses, le son produit sera différent. J’aborde ce sujet en détail sur ma chaîne YouTube, dans une vidéo où j’explique comment il est possible de façonner sa voix grâce aux résonateurs.

Le masque est le résonateur le plus important à développer pour obtenir une bonne projection de la voix. En effet, il permet de développer les harmoniques aigus nécessaires pour que la voix soit entendue de loin. Bien sûr, il est également important de travailler les autres résonateurs pour obtenir un son rond et harmonieux. Cependant, une voix sans masque ne projettera pas efficacement.

Projeter sa voix. Voix dans le masque.

Exercice pour développer le masque

L’exercice par excellence pour développer le masque est le « moito ». Il s’agit de produire un son étrange en isolant ce résonateur. Pour le réaliser, il te suffit de dire « shopping » et de chanter sur le « ng ». Le but est de trouver un son semblable à celui d’un bébé chat qui crie ! Le son ne doit pas être beau, l’objectif est simplement de sentir les résonances dans le masque. C’est un excellent point de départ !

Cependant, il est crucial de bien faire cet exercice. Si tu le réalises incorrectement, tu pourrais fatiguer ta voix ou adopter de mauvaises habitudes. Il est donc fortement recommandé de te faire aider par un professeur de chant ou de suivre de bons tutoriels en ligne pour t’assurer de le faire correctement. Je te propose une routine vocale pour placer sa voix dans le masque !

Développer la résonance de ta voix dans le masque demande du temps et de la pratique, mais avec les bonnes techniques et une pratique régulière, tu constateras rapidement des améliorations significatives.

 

Un bon soutien

Le soutien est indispensable pour bien projeter sa voix. Il permet de faire vibrer les cordes vocales sans les forcer. Pour cela, il faut apprendre à placer sa voix sur le souffle. 

En d’autres termes, le soutien est le socle essentiel pour projeter sa voix sans crier.

Beaucoup de personnes pensent qu’il faut « balancer sa voix vers l’avant » ou « pousser sa voix devant » pour la projeter loin. Cette approche crée une trop grande pression sous les cordes vocales, ce qui entraîne un forçage vocal. Au lieu de cela, il faut sentir et imaginer que la voix entre à l’intérieur de ton corps pour vibrer et résonner, tout en « posant » sa voix.

Poser sa voix signifie trouver le bon flux d’air, celui qui permet à tes cordes vocales de vibrer correctement. On a souvent l’impression qu’il faut beaucoup d’air et d’énergie, mais en réalité, il faut canaliser cette énergie et économiser son air.

Respiration diaphragmatique

Apprendre à respirer correctement est la première étape pour un bon soutien vocal. La respiration diaphragmatique est essentielle. Allonge-toi sur le dos, pose une main sur ton ventre et respire lentement. Ton ventre doit se soulever à chaque inspiration. Cela t’aidera à utiliser ton diaphragme plutôt que de respirer uniquement avec la poitrine.

Il est important de sentir que ton inspiration est détendue. Pour cela tu peux télécharger mon guide gratuit « BA ba de la respiration du chanteur ». 

« ss »

Puis entraine-toi à faire un « ss » le plus longtemps possible en gardant le même flux d’air. Cela va te permettre d’engager ton ventre et te permettre de sentir un début de soutien vocal !

L’exercice de la paille

Pour ceux qui veulent vraiment améliorer leur projection vocale, je recommande l’exercice de la paille. Cet exercice consiste à chanter à travers une paille pour sentir l’équilibre des pressions sous glottiques et sus glottique. En d’autres termes, une voix posée qui ne force pas. 

Comment faire l’exercice de la paille :

  1. Prends une paille et place-la entre tes lèvres (il faut que ce soit bien hermétique !).

  2. Inspire par le ventre en utilisant ton diaphragme.

  3. Chante une note ou une phrase en soufflant doucement dans la paille et en faisant des bulles dans un verre d’eau.

  4. Concentre-toi sur le maintien d’un flux d’air constant et détendu. Les bulles doivent être toujours de même intensité (début ou fin de souffle, aigus comme graves).

Cet exercice aide à canaliser l’air et à économiser l’énergie, tout en évitant le forçage vocal. C’est une excellente technique pour apprendre à poser sa voix correctement. Il est très utilisé par les orthophoniste pour rééduquer certaines pathologies vocales liées au forçage vocale. 

 

 

Oser !

Parfois, tout semble techniquement correct, mais la voix ne projette pas comme elle le devrait. Elle peut sembler « bloquée » ou « retenue » à l’intérieur. La voix est mystérieuse et il y a encore beaucoup de choses que nous ne comprenons pas à son sujet. C’est pourquoi je répète souvent sur ce blog et sur ma chaîne YouTube : « Il n’y a pas de formule mathématique pour apprendre à chanter. »

 

Ne pas oser chanter ! Peur de chanter ! Libérer sa voix !

La voix est difficile à contrôler parce qu’elle est profondément liée à notre état psychologique.

Les muscles impliqués dans l‘émission vocale sont en grande partie autonomes, ce qui signifie que nous ne les contrôlons pas directement. Tu vois le problème ?

Si tu as peur de chanter, si tu appréhendes un aigu, si tu te poses des questions sur ta légitimité, si tu as peur de faire trop de bruit… Ton cerveau envoie un message à ton larynx pour se « retenir » et va avoir envie de serrer ta voix. Il est donc difficile de projeter sa voix avec cet état d’esprit. 

Pour débloquer sa voix et la faire projeter correctement, il est crucial de soigner non seulement son instrument (le corps) mais aussi son mental. 

Voici quelques conseils pour y parvenir :

Relaxation et gestion du stress

Le stress et la tension peuvent sérieusement limiter la projection vocale. Des techniques de relaxation comme la méditation, le yoga ou la respiration profonde peuvent aider à réduire le stress et à relâcher les tensions musculaires. En prenant soin de ton mental, tu permets à ta voix de s’exprimer plus librement.

Je sais c’est facile à dire ! Mais vraiment, une petite séance de relaxation avant de chanter sera toujours bénéfique ! Tu peux d’ailleurs trouver sur Youtube une relaxation pour chanteurs. 

Confiance en soi

La projection vocale est souvent une question de confiance. Si tu doutes de ta capacité à te faire entendre, cette hésitation se reflétera dans ta voix. Prends le temps de travailler sur ta confiance en toi. Visualise-toi en train de chanter avec puissance et clarté. Crois en ta capacité à projeter ta voix.

Visualisation positive

La visualisation est une technique puissante pour améliorer la projection vocale. Imagine-toi en train de chanter dans une grande salle et que ta voix atteint le fond de la pièce sans effort. Cela peut aider à conditionner ton esprit et ton corps à projeter ta voix plus efficacement.

 

Acoustique et projection de la voix

Il est vrai que certains endroits semblent rendre la projection de la voix plus aisée, tandis que dans d’autres, elle semble se perdre, nous laissant à nous égosiller. Cette perception est étroitement liée à l’acoustique de l’environnement.

En fait, la qualité de la projection vocale dépend non seulement de la technique employée, mais aussi de la manière dont nous percevons notre propre voix dans un espace donné. Même avec une technique impeccable, nos sensations vocales peuvent varier selon l’acoustique de la pièce.

Expliquons cela plus en détail : notre système vocal est conçu de telle sorte que notre cerveau envoie constamment des signaux à notre larynx pour qu’il s’adapte en fonction de ce qu’il perçoit. Ainsi, si nous avons du mal à nous entendre (par exemple, dans un lieu bruyant), nous avons tendance à forcer sur notre voix.

C’est là qu’il est crucial de faire confiance à sa technique vocale. Même si nous avons l’impression que le son se perd dans certaines acoustiques, il ne faut pas nécessairement modifier notre manière de projeter la voix. En fait, cela pourrait conduire à une tension inutile et à une projection excessive.

En résumé, bien que l’acoustique influence notre perception de la projection vocale, il est important de maintenir une technique vocale appropriée et de ne pas se laisser entraîner par ce que l’on entend. La confiance en sa technique est essentielle pour une projection vocale efficace, quel que soit l’environnement acoustique.

Je me demande si tu as déjà essayé de comparer ta voix projetée dans différents espaces pour mieux comprendre ce phénomène !

Ce qu’il faut retenir :

La projection vocale est une compétence cruciale pour faire entendre sa voix sans effort excessif. Pour parvenir à une projection efficace, il est essentiel de comprendre que :

  1. La projection vocale ne consiste pas simplement à pousser sa voix vers l’avant, mais à faire résonner la voix dans les résonateurs appropriés, en particulier le masque, pour produire des harmoniques aigus nécessaires à une projection lointaine.

  2. Un bon soutien vocal, obtenu en plaçant la voix sur le souffle et en utilisant le diaphragme correctement, est indispensable pour projeter sa voix sans forcer les cordes vocales.

  3. L’aspect mental peut jouer un rôle dans la projection vocale, avec la relaxation, la gestion du stress, la confiance en soi et la visualisation positive qui aident à débloquer la voix et à la projeter efficacement.

  4. L’acoustique de l’environnement peut influencer la perception de la projection vocale, mais il est important de maintenir une technique vocale constante plutôt que de modifier la projection en fonction des sensations.

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Comment préserver sa voix quand on chante ?

Tu sais que la voix est fragile… Sans devenir parano, il est normal de souhaiter préserver sa voix de blessures et tout simplement bien entretenir sa voix dans le but de la maintenir en forme le plus longtemps possible. 

Protéger sa voix c’est l’ensemble d’une technique vocale saine, de bonnes habitudes vocales au quotidien et d’une bonne hygiène de vie. Je vais te détailler tout cela dans cet article et te donner des astuces pour prendre soin de ta voix.

Prendre soin de sa voix avec une bonne technique vocale

La technique vocale est essentielle pour maintenir une voix saine et durable. 

En réalité, ce n’est pas toujours aussi simple. Une mauvaise technique peut provoquer des pathologies vocales telles que des nodules, des polypes et divers autres problèmes que l’on préférerait éviter. Cependant, il existe des exceptions à cette règle. Richard Miller explique qu’il est impossible de prédire la longévité d’une voix.

Je reformulerais en disant qu‘une excellente technique vocale réduit considérablement le risque d’abîmer sa voix. Bien sûr, il y a certains « ovnis » qui ne se blesseront jamais malgré une technique imparfaite. Nous ne sommes pas tous égaux en la matière, et c’est ainsi. Néanmoins, il paraît beaucoup plus sage et logique de se bâtir une excellente technique vocale.

L’objectif principal est de fuir tout ce qui pourrait entrainer de la fatigue vocale. Voici donc les éléments les plus importants de la technique à retenir pour préserver sa voix.

Chasser les tensions parasites

Si tu me suis un peu sur les réseaux sociaux, tu sais que je parle TOUS LE TEMPS de l’importance de chasser les tensions parasites ! Ces tensions sont souvent à l’origine du forçage vocal. Avant même de chercher à « mettre la voix dans le masque » ou « avoir plus de puissance », il est crucial de prendre conscience des tensions inutiles et de les éliminer. Je t’en parle souvent dans mes articles et vidéos, mais voici les zones à surveiller :

  • La mâchoire : Une mâchoire tendue peut nuire à la liberté de ta voix.

  • La langue : Une langue rigide peut limiter la résonance et provoquer de la fatigue.

  • Les épaules : Des épaules contractées limitent ta capacité respiratoire et ajoutent une tension inutile.

  • La nuque : Une nuque tendue affecte l’alignement de ton corps et la liberté de tes cordes vocales.

Peut-être as-tu des problèmes de dos ou des soucis de mâchoire ? Je ne suis pas là pour te dire comment soigner ces problèmes, mais pour t’expliquer que certains problèmes vocaux peuvent en découler. Il n’est donc pas inutile de t’en préoccuper. Pourquoi ne pas consulter un kiné ou un ostéopathe ?

Mon rôle, c’est de t’expliquer qu’il ne faut pas RAJOUTER de tensions lors de l’émission vocale. Et rien que cela demande du temps et du travail. Oui, je sais, ce n’est pas très glamour, mais c’est la vérité.

Conseils pratiques pour limiter les tensions parasites :

  1. Étirements et échauffements : Commence par des exercices d’échauffement pour préparer ta voix et quelques mouvements pour réveiller le corps. 

  2. Posture : Adopte une bonne posture, debout ou assis, en alignant bien ta colonne vertébrale et en gardant les épaules détendues.

  3. Respiration : Travaille ta respiration pour qu’elle devienne bien basse et détendue. 

  4. Relaxation : Intègre des techniques de relaxation comme le yoga, la méditation, la cohérence cardiaque ou la sophrologie pour réduire le stress général et les tensions physiques. 

Une voix calme et posée

Pour éviter de forcer sur ta voix et de l’abîmer, il est essentiel que tes cordes vocales vibrent sans contraintes. Cela repose sur un flux d’air adapté, qui doit être constant et équilibré. En effet, un flux d’air trop intense peut entraîner une tension excessive des cordes vocales, tandis qu’un flux trop faible peut les fatiguer en les forçant à compenser.

Ce concept de flux d’air optimal est au cœur du soutien vocal. Le soutien vocal implique une gestion consciente de ta respiration pour maintenir une pression d’air régulière et appropriée, ce qui permet à tes cordes vocales de fonctionner efficacement sans effort excessif.

Pour maîtriser le soutien vocal, il est important de travailler sur plusieurs aspects :

  1. La respiration : Apprendre à respirer avec le ventre (et donc le diaphragme) plutôt qu’avec la poitrine permet de mieux contrôler le flux d’air et de fournir un soutien stable.

  2. La posture : Une bonne posture permet une meilleure expansion pulmonaire et une circulation d’air plus efficace. Assure-toi de te tenir droit, avec les épaules détendues et la tête alignée avec ta colonne vertébrale.

  3. Les exercices de soutien : Pratiquer des exercices spécifiques, comme le souffle continu ou les sirènes vocales, peut aider à développer la force et la constance de ton soutien vocal. L’exercice phare pour travailler le flux d’air est celui de la paille.

J’explique plus en détail le soutien dans Les Fondations de la Voix pour les commencer le chant, une formation de chant en ligne conçue pour t’aider à acquérir des bases solides. Cette formation te guidera à travers les étapes essentielles pour commencer le chant sans te faire mal, en mettant l’accent sur la compréhension de ton instrument, la détente, la voix sur le souffle et la conscience du corps.

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La voix est un muscle qui s'entretient

Il est vrai que la technique vocale ne fait pas tout. En effet, il existe des chanteurs avec des techniques apparemment assez désastreuses qui ne se blessent jamais. Richard Miller en conclu que « cela signifie que dans le chant comme dans la vie, nous n’avons jamais tous les éléments de contrôle en main ».

À cela, j’ai envie de te dire deux choses :

  1. Nous sommes inégaux : Certains d’entre nous ont des cordes vocales fragiles, tandis que d’autres sont très résistants. C’est une réalité qu’il faut accepter. Pour ma part, je me considère comme étant très fragile.

  2. L’entretien de la voix : Même si la technique vocale ne fait pas tout, il est indéniable qu’un instrument, lorsqu’il est bien entretenu, vieillira mieux. De la même manière, une voix travaillée et entretenue quotidiennement restera plus saine et durable qu’une voix négligée. La pratique régulière de techniques vocales adéquates aide à préserver la qualité et la longévité de ta voix. Il semblerait que le « constant entrainement de la « machine vocale » peut retarder le processus de l’âge, en différant au moins certains aspects des ravages du temps ».

En conclusion, même si nous ne pouvons pas tous prétendre à des cordes vocales d’acier, il est important de préserver notre voix en pratiquant bien et régulièrement. 

Prendre soin de sa voix : Technique et hygiène de vie

Protéger sa voix au quotidien

Pour préserver sa voix lorsque l’on est chanteur, il est essentiel d’avoir une technique vocale solide, mais cela ne suffit pas. Il est également crucial d’adopter de bonnes habitudes vocales et une hygiène de vie saine au quotidien.

Un corps en mauvaise santé ou fatigué aura plus de difficultés à soutenir une voix. Il est donc judicieux de prendre soin de ses cordes vocales pour éviter tout désagrément qui pourrait nous amener à compenser avec un mauvais geste vocal.

Voici mes conseils pour prendre soin de ta voix au quotidien :

  1. Éviter les éclats de voix : Les cris et les éclats de voix sont très mauvais pour tes cordes vocales.
  2. Éviter de fumer ou de boire de l’alcool : Ces substances irritent les cordes vocales et nuisent à la santé générale de ta voix.
  3. Parler de façon posée : Au quotidien, adopte une parole posée avec une inspiration basse et détendue.
  4. Chanter des morceaux adaptés : Choisis des chansons adaptées à ta tessiture et dans la bonne tonalité pour éviter de forcer.
  5. Éviter les attaques glottiques trop dures : Les attaques glottiques violentes peuvent endommager les cordes vocales.
  6. Régler le reflux gastro-oesophagien : Si tu souffres de reflux, adopte une alimentation appropriée et ne t’allonge pas juste après manger pour minimiser les symptômes.
  7. Apprendre à bien parler : Surtout dans des contextes bruyants, comme en soirée, utilise une technique vocale appropriée pour éviter de forcer.

En adoptant ces habitudes, tu pourras protéger ta voix et éviter les fatigues inutiles et les dommages à long terme. 

Prendre soin de sa voix c’est aussi et surtout prendre soin de sa santé générale ! Alors prends soin de toi et de ta voix, c’est ton instrument le plus précieux !

Apprendre à écouter et protéger sa voix

Protéger sa voix c’est avant tout savoir l’écouter. Tu dois adopter une attitude positive envers ta voix. Ne la maltraite pas ! Dès que tu ressens de la fatigue, dès que tu sens des tensions, dès qu’elle est plus faible, repose là ! 

Je bassine mes élèves avec l’importance de la proprioception. C’est la capacité à reconnaitre où sont placés les différents éléments de son corps dans l’espace sans les voir. C’est grâce à nos sensations profondes que nous sommes capable en tant que chanteur de savoir si notre voix est bien placée ou non ! 

La voix est magique ! Elle est le reflet de notre état psychologique. Je suis bien placée pour le savoir, je suis extrêmement anxieuse et ma voix me joue des tours ! Si c’est le cas, prends soin de ton corps mais aussi de ta tête. 

Bien chanter c’est une voix saine dans un corps en forme et un esprit apaisé ! 

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Comment changer le timbre de sa voix ?

Tu voudrais être capable de changer le timbre de ta voix ? Tu en as marre de chanter de façon monotone ? Toujours de la même manière ? Tu te demandes comment les chanteurs font pour chanter avec des voix différentes ? Tu souhaiterais savoir un peu plus contrôler ta voix pour en faire ce que tu veux ?  De faire des variations de voix ?

Aujourd’hui, nous allons explorer ensemble la création de différentes couleurs vocales, c’est-à-dire comment modifier ta voix en comprenant bien ton instrument. Il existe plusieurs manières de changer sa voix et de varier le type de son. 

Dans cet article, on va parler de mécanismes, de résonateurs et du positionnement de la bouche, de la gorge et du larynx, ces éléments qui influent sur la couleur de ta voix. 

Cette exploration vise à enrichir ton interprétation en offrant une variété de sons, mais aussi à approfondir ta compréhension et le contrôle de ta voix. C’est précisément la connaissance de ton instrument et une excellente technique vocale qui te permettront de mieux contrôler le timbre de ta voix.

Je préviens que cet article sera dense pour les débutants, mais je t’orienterai vers d’autres contenus si tu veux explorer davantage certains concepts.

Chaque mécanisme donne une "couleur" à la voix

Les mécanismes

Les mécanismes vocaux sont essentiels pour trouver une diversité de couleurs vocales et réussir à chanter avec des voix différentes. Voici un rappel des différents mécanismes :

  1. Voix de Poitrine (mécanisme 1) : Utilisée pour les notes plutôt graves et médium.

  2. Voix de Tête (mécanisme 2) : Utilisée globalement pour les tons plus aigus et clairs.

    Il existe aussi le mécanisme 0 (le Fry) et le mécanisme 3 (la voix de sifflet), mais ils sont peu utilisés, je n’en parlerais donc pas dans cet article.

    Les chanteurs peuvent utiliser ces deux registres de manière interchangeable ou combiner les deux pour obtenir une gamme plus étendue de sons et de « timbre ». Le passage entre la voix de poitrine et la voix de tête peut être lisse et fluide avec la pratique et la maîtrise de la technique vocale.

     La voix mixte est une construction pédagogique qui consiste à créer une voix entre la voix de tête et la voix de poitrine. Dans les faits, il s’agit soit d’une voix de poitrine qui imite les résonateurs de la voix de tête, soit d’une voix de tête qui imite les résonateurs de la voix de poitrine. 

Comment chanter en poitrine ou en tête ?

Mise en pratique : Pour trouver ta voix de poitrine, imagine-toi en train de parler avec assurance. Pour la voix de tête, les femmes peuvent essayer de produire un son aigu. Les hommes peuvent essayer de monter le plus haut possible jusqu’à ce que la voix bascule en voix de tête.

Les chanteurs modernes (hommes et femmes) utilisent plus fréquemment le mécanisme de poitrine. La voix de tête est néanmoins souvent utilisée sur certains passages, ce qui permet de donner une couleur différente et d’enrichir l’interprétation. 

Les chanteurs lyriques (hommes) chantent principalement en mécanisme de poitrine, sauf les contre-ténors qui utilisent le mécanisme de tête. Les chanteuses lyriques utilisent le mécanisme de tête pour toute la tessiture située au-dessus du do 3 (environ). 

Voix timbrée et voix soufflée

Pour modifier la couleur ou le timbre de ta voix, tu peux changer ton émission vocale en faisant une voix plus ou moins « soufflée ». Il s’agit de faire passer plus ou moins d’air entre les cordes vocales. 

 

Voix soufflée (détimbrée)

En résumé, la voix soufflée est une technique vocale où le chanteur utilise principalement de l’air plutôt que la vibration « normale » des cordes vocales pour produire un son. Elle peut être utilisée pour créer une variété d’effets sonores dans le chant, offrant une texture unique à la performance.

Voici comment fonctionne généralement la technique de la voix soufflée :

  1. Contrôle de l’air: Le chanteur contrôle délibérément la quantité d’air qu’il laisse passer à travers ses cordes vocales. Il peut le faire en ajustant la pression de l’air et en modifiant la forme de sa bouche et de sa gorge.

  2. Peu de vibration des cordes vocales: Contrairement à une technique vocale standard où les cordes vocales vibrent pleinement pour produire un son, dans la voix soufflée, les cordes vocales vibrent très peu ou pas du tout. Au lieu de cela, le son est essentiellement produit par le passage de l’air à travers la gorge.

  3. Effets sonores: Cette technique peut produire une variété d’effets sonores, allant du doux et chuchoté au rugueux et râpeux. 

Voix timbrée

Contrairement à une voix soufflée, où l’accent est souvent mis sur le contrôle de l’air plutôt que sur la qualité du son, une voix timbrée met l’accent sur la clarté et la richesse du son produit. 

Une voix timbrée est une voix qui se concentre sur la qualité des harmoniques qui constituent la voix. Ces harmoniques se développent grâce aux résonateurs ! En chant, un résonateur fait référence à une partie du corps qui amplifie et enrichit le son vocal. Les résonateurs jouent un rôle crucial dans la production d’une voix claire, riche et bien projetée.

Cependant, il est important de souligner que la voix « timbrée » peut être colorée de différentes manières. Tout comme un peintre possède sa palette de couleurs et réalise des mélanges, le chanteur peut changer de résonateur et procéder à ses propres ajustements pour obtenir le son souhaité, comme s’il concoctait sa propre « recette » musicale.

Pour avoir une voix timbrée, il faut travailler 2 notions primordiales :

Contrôle du flux d’air :

    • Pour produire un timbre vocal distinctif, il faut un contrôle précis sur la manière dont l’air est dirigé à travers les cordes vocales. Il faut avoir la voix sur le souffle. 
    • Contrairement à la voix soufflée, où l’accent est souvent mis sur le contrôle de l’air plutôt que sur la qualité tonale, une voix timbrée met l’accent sur la précision et la clarté du son produit.
    • Pour cela, tu dois travailler les exercices de base comme la paille, et sur des sons voisés. 

Richesse harmonique :

    • Une voix timbrée a généralement une richesse harmonique, ce qui signifie qu’elle produit de multiples harmoniques qui enrichissent le son. Cela peut donner à la voix une qualité plus riche et plus complexe, la distinguant des voix plus simples ou moins contrôlées.
    • Une voix timbrée est fréquemment associée à une bonne projection et à une résonance bien équilibrée. Cela signifie que le son est projeté efficacement et résonne de manière équilibrée dans différentes parties du corps, créant ainsi une sonorité pleine et puissante.
    • Pour travailler la richesse harmonique tu dois explorer les résonateurs de ta voix : Le masque, le voile du palais, le pharynx et la connexion au corps. 

Je parle davantage des résonateurs dans cette vidéo.

Positionnement de la bouche, gorge et larynx

La position de la bouche, de la gorge et du larynx est cruciale pour la qualité du son vocal. Selon leur placement, la voix peut être modifiée de manière significative.

  1. La bouche : Le positionnement vertical ou horizontal des lèvres influe sur le son produit. Une bouche verticale peut donner un son plus rond, tandis qu’une bouche élargie sur les côtés peut produire un son plus clair et plus plat. En avançant la lèvre supérieure, comme pour former un « O », le son devient plus rond en raison de l’effet de résonance créé sous la lèvre.

  2. La gorge (et le pharynx) : Ouvrir ou fermer la gorge influence la composition harmonique de la voix. Une gorge très ouverte tend à produire des harmoniques plus graves, créant un son plus chaleureux. Il est important d’expérimenter différents degrés d’ouverture de la gorge pour découvrir les variations sonores.

  3. Le larynx : Bien que la hauteur tonale puisse être maintenue constante, le positionnement du larynx influence le caractère du son. Un larynx plus haut ou plus bas générera différents timbres. Il est recommandé d’explorer ces variations pour comprendre leur impact sur la sonorité de la voix.

En résumé, expérimenter avec le positionnement de la bouche, de la gorge et du larynx permet de découvrir une gamme étendue de possibilités sonores et d’affiner sa technique vocale.

Exemples

 

  • Voix de poitrine avec de l’air : Carla Bruni

  • Voix de tête avec de l’air : Mariah Carey

  • Voix de poitrine sans air : Mariah Carey, Céline Dion, Adèle

  • Voix de tête sans air : Evanescence, Tarja, chanteuses d’opéra

 

Pour résumer, tu vas pouvoir chanter avec des voix différentes en variant les mécanismes, la vibration des cordes vocales et l’ajustement des résonateurs. 

N’hésite pas à me dire si cet article t’a été utile et à me poser tes questions ! 

Avais-tu conscience que tous ces paramètres pouvaient autant influencer la couleur de ta voix ? 

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Comment connaitre sa tessiture ?

Si tu as cliqué sur cet article, c’est que tu cherches à mieux comprendre ta voix. Et tu as raison, connaitre sa tessiture vocale est crucial pour un chanteur, qu’il soit débutant ou expérimenté. Dans cet article, nous allons explorer en détail ce qu’est la tessiture vocale, comment la déterminer avec précision et pourquoi elle est importante pour les chanteurs de tous niveaux.

Qu'est ce qu'une tessiture vocale ?

La tessiture vocale fait référence à la plage de notes dans laquelle une voix est la plus confortable et la plus homogène. Contrairement à l‘ambitus, qui désigne la plage totale de notes qu’une personne peut chanter, la tessiture se concentre sur la plage où la voix est la plus stable et la plus facile à contrôler. Connaitre ta tessiture te permettra d’éviter la fatigue vocale, de preserver ta voix et de la mettre en valeur. 

Les principales tessitures

Avant de plonger dans la méthode pour déterminer ta tessiture, commençons par clarifier les principales catégories vocales :

Tessiture

Description

Soprano

La voix la plus haute et la plus brillante dans la musique classique.

Mezzo-soprano

Une voix féminine située entre le soprano et l’alto, avec une tessiture plus étendue que ce dernier.

Alto

La voix la plus basse chez les femmes.

Ténor

La voix masculine la plus haute et la plus légère.

Baryton

Une voix masculine située entre le ténor et la basse.

Basse

La voix la plus basse chez les hommes.

Tessitures et exemples en chant moderne

Dans le contexte du chant moderne, les voix sont également classées en plusieurs catégories principales, qui se chevauchent souvent avec celles du chant classique :

  • Soprano : Ariana Grande, Beyoncé

  • Mezzo-soprano : Adèle, Demi Lovato

  • Alto : Billie Eilish, Norah Jones

  • Ténor : Bruno Mars, Ed Sheeran

  • Baryton : John Legend, Sam Smith

  • Basse : Barry White, Johnny Cash

Chaque catégorie a ses propres caractéristiques vocales distinctes, mais les chanteurs modernes peuvent également utiliser une plus grande variété de techniques et de styles vocaux.

Tessitures et exemples en chant lyrique

Dans la musique classique, les voix sont généralement classées de la même façon. Voici quelques exemples de chanteurs célèbres pour chaque tessiture :

  • Soprano : Maria Callas, Joan Sutherland

  • Mezzo-soprano : Cecilia Bartoli, Frederica von Stade

  • Alto : Kathleen Ferrier, Marian Anderson

  • Ténor : Luciano Pavarotti, Enrico Caruso

  • Baryton : Dmitri Hvorostovsky, Thomas Hampson

  • Basse : Boris Christoff, Cesare Siepi

Chaque catégorie a sa propre tessiture caractéristique, mais il peut également exister des variations au sein de chaque catégorie en fonction des sous-catégories telles que le soprano léger, le baryton-martin, etc.

 

Ambitus et tessiture

Pour bien comprendre le chant, il faut connaître deux notions importantes : l’ambitus et la tessiture vocale. Ils sont un peu différents mais très utiles pour parler de la voix d’un chanteur.

L'ambitus ?

L‘ambitus, c’est comme la gamme complète d’un chanteur, de la note la plus basse à la note la plus haute qu’il peut chanter. C’est toutes les notes qu’il peut faire, même si certaines sont plus difficiles que d’autres.

Par exemple, un chanteur peut chanter du Mi2 au Fa5. C’est toute la plage de notes qu’il peut atteindre, même si certaines notes sont plus faciles à chanter que d’autres.

La tessiture ?

La tessiture vocale, c’est un peu plus précis. C’est la plage de notes où la voix d’un chanteur est la plus confortable et la plus belle à écouter. C’est là où il se sent le mieux quand il chante.

Reprenons notre exemple : même si le chanteur peut chanter du Mi2 au Fa5, sa tessiture vocale réelle pourrait être plus petite, disons du La3 au Do5. C’est là où sa voix sonne le mieux et où il se sent le plus à l’aise.

En résumé, l’ambitus, c’est l’ensemble de toutes les notes qu’un chanteur peut chanter, alors que la tessiture vocale, c’est la plage où sa voix sonne le mieux. C’est important de savoir ça pour comprendre comment fonctionne la voix d’un chanteur et choisir les chansons qui lui vont le mieux.

Connaitre sa tessiture : Les questions à se poser

Pourquoi déterminer sa tessiture ?

Tu pourrais te demander à quoi cela sert de connaître sa tessiture ? Alors déjà, ce qu’il faut que tu saches, c’est que la notion de tessiture est primordiale si tu fais du chant lyrique, elle l’est moins si tu fais du chant moderne, mais tout de même importante et tu vas voir pourquoi.

La tessiture chez un chanteur lyrique

Cela est primordial pour un chanteur lyrique. Chaque morceau ou air a été écrit pour un type de voix en particulier. Le compositeur connait les caractéristiques de chaque voix et compose l’air en fonction de celles-ci.

Par exemple, même si deux sopranos ont le même ambitus il se peut qu’elles ne chantent pas du tout le même repertoire. Il y a des rôles qui seront plus adaptés à telle ou telle tessiture. La tessiture représente alors non seulement une zone de confort mais aussi des caractéristiques précises comme l’agilité, la couleur de voix etc… 

Le compositeur, connaissant la « vocalité » de chaque type de tessiture, n’écrira donc pas de la même façon pour soprano coloratura que pour soprano spinto. 

La tessiture chez un chanteur moderne

Choisir son répertoire : Connaitre sa tessiture est important pour choisir les chansons adaptées à ton type de voix. Effectivement, cela te permettra de savoir dans quel ambitus tu es à l’aise donc de choisir la tonalité du morceau.

Prévention des blessures vocales : Chanter en dehors de sa tessiture peut entraîner une tension excessive sur les cordes vocales, ce qui peut conduire à des blessures vocales telles que des nodules ou des polypes. En restant dans sa tessiture, un chanteur peut éviter ces problèmes.

Meilleure maîtrise technique : En se concentrant sur les notes qui se situent confortablement dans leur tessiture, les chanteurs peuvent développer une meilleure maîtrise technique et un contrôle vocal, ce qui améliore leur performance globale.

Élargissement de la tessiture : Connaître sa tessiture permet également aux chanteurs de travailler sur l’élargissement de leur gamme vocale, en explorant progressivement des notes plus hautes ou plus basses tout en restant dans des limites saines.

Communication avec les compositeurs et les arrangeurs : Lorsqu’ils collaborent avec des compositeurs ou des arrangeurs, les chanteurs peuvent communiquer efficacement leur tessiture pour s’assurer que la musique écrite convient à leur voix.

Maintenant que tu en sais un peu plus, as-tu réussi à déterminer ta tessiture ? 

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Comment soulever le voile du palais pour chanter ?

Si tu apprends à chanter, tu as certainement déjà dû te demander comment soulever le voile du palais ? Ce truc qui a l’air si important pour chanter et qui est à la fois si mystérieux. « Soulève ton voile du palais ! » diront beaucoup de professeur de chant ! « Oui, mais je ne le sens pas » diront certains élèves, ou encore « j’ai pourtant l’impression qu’il est soulevé » ou « mais comment je dois faire concrètement ? » … Et puis surtout, à quoi ça sert ? 

Si tu te reconnais dans cet exemple, ou que toi aussi tu es dans cette longue quête, cet article est fait pour toi ! Il va te donner des points de repère et des exercices concrets et je vais aussi en profiter pour te donner mon avis ! 

À mon sens, maitriser son voile du palais est une étape importante pour avoir une bonne technique vocale !

Qu'est ce que le voile du palais ?

Anatomie du voile du palais

Le voile du palais est également appelé « palais mou » (ou encore « velum »). Certains professeurs de chant appelleront ça la « voûte ». Peu importe, on parle de la même chose ! Enfin … Tu verras dans le dernier chapitre que ce n’est pas si simple. 

Voici où se situe le voile du palais ! C’est ce qui se soulève (se contracte) quand tu bailles.

C’est un tissu musculaire qui est souple et qui peut se soulever ou s’abaisser. Il est situé au fond de la gorge, tu as d’abord le palais dur, puis le palais mou. Il est relié à l’avant à la luette, ce petit truc qui pendouille dans ta gorge. 

A quoi sert de soulever le voile du palais pour chanter ?

Effectivement, le voile du palais est important pour chanter. Et ce, peu importe le style de chant que tu apprends, tu dois savoir le contrôler ! Que tu veuilles le soulever ou le garder en bas ! C’est primordial, et ce, pour plusieurs raisons :

1/ Caisse de résonance 

Lorsque tu soulèves le palais mou, cela crée une caisse de résonance supplémentaire, ce qui change le son de ta voix. Cela lui donne « plus de coffre » et « plus de rondeur ». C’est donc un allié considérable pour trouver de nouvelles couleurs de voix. 

2/ Voix nasale vs Voix dans le nez (nasillarde)

Ceci est une notion extrêmement importante à connaitre. Le voile du palais permet de contrôler si la voix est dans le nez (on dit aussi « nasillarde ») ou non. Une voix dans le nez, c’est un « défaut » technique, non dangereux pour les cordes vocales, mais qui provoque un son souvent qualifié de désagréable. Effectivement, lorsque le voile du palais se soulève, il permet à l’air de passer par la bouche, et lorsqu’il est bas, l’air passe par le nez, ce qui provoque le son nasillard. 

L’idéal, c’est d’avoir un son nasal et pas nasillard. Je m’explique : Le son nasal est un son dont les résonances se placent vers le nez. Il s’agit de vibrations, et non de l’air qui passe par le nez !

3/ Pour former de belles voyelles 

T’es-tu déjà demandé quel était le secret des ventriloques ? Hé bien, ils articulent tous les sons à l’intérieur de la bouche avec la langue et le voile du palais. Effectivement, le voile du palais permet de bien articuler les voyelles ! Il existe des classifications du placement du voile du palais en fonction de la voyelle prononcée. Le triangle vocalique est particulièrement utile aux chanteurs pour apprendre à former les voyelles. 

Les différentes techniques pour soulever le voile du palais

Le voile du palais est assez difficile à soulever, tu as certainement dû le remarquer. Les professeurs de chant donnent alors des « images » pour nous aider et je vais te les lister ci-dessous : 

"La patate chaude"

L’idée de la patate chaude consiste simplement à imaginer que tu as une patate chaude dans la bouche. Quand quelque chose nous brule dans la bouche, on va écarter l’intérieur de la bouche pour éviter que la patate touche les parois. Ce qui, on l’espère, provoque une ouverture du voile du palais. 

Mon avis : C’est une très bonne image quand on est débutant. Mais rapidement vous vous rendrez compte que cette visualisation manque de précision, et ne fera pas tellement la distinction entre le voile du palais et l’ouverture du pharynx, ni même du positionnement de la langue. On garde donc, mais il faudra peaufiner ensuite !

Marie-Chantale

Ceci est une image que je donne souvent à mes élèves chanteurs débutants. Elle fonctionne plutôt très bien. On imite une personne qui parle d’un ton très ampoulé, une aristocrate hautaine. Et lorsque nous parlons ainsi, la voix se place légèrement en arrière, avec un voile du palais soulevé.

Mon avis : L’image est très bonne, mais elle manque encore de précision. C’est un bon point de départ pour commencer à percevoir un début de mouvement. Cependant, cette visualisation peut entraîner un recul de la langue et un écrasement de la voix.

Ps : Je m’excuse à l’avance pour toutes les personnes dont Marie-Chantale est le prénom. C’est un prénom magnifique ! 

Acteur Studio

L’image « Acteur studio » est une de mes inventions. À chaque inspiration, imaginez que vous êtes surpris comme si vous perdiez votre culotte ! Allez faire un tour sur ma chaine Youtube Apprendre à chanter, j’y montre l’exemple ainsi que mon talent inné d’actrice. Oui, il ne faut pas avoir peur du ridicule !

Mon avis : Cette image permet de réussir à soulever le voile du palais dans un réflexe et non en force, elle est donc particulièrement intéressante. 

Le cochon

Là, il faut imiter un cochon qui cherche la truffe. Le ronflement que vous sentez se situe au niveau de l’endroit du voile du palais qui doit être soulevé. C’est donc une image pour conscientiser l’endroit où les choses se passent.

Le petit bâillement

Vous pouvez aussi simuler un léger bâillement avec la bouche fermée, plus précisément un début de bâillement.

Mon avis : Il est important de bien se limiter à un début de bâillement. Si vous faites un bâillement complet, la base de la langue recule et vous risquez à nouveau de comprimer le larynx.

Des exercices concrets pour muscler le voile du palais

Le miroir

Pour muscler le palais mou, vous pouvez vous mettre devant un miroir, ouvrir grand la bouche et faire un bâillement. Vous pourrez alors visualiser quand la luette se soulève ou non. Cela permet d’associer la sensation à l’effet, car il est vrai que parfois, on peut avoir la sensation que le voile se soulève, mais en réalité, ce n’est pas le cas. Oui je sais… C’est complexe… 

Appeler quelqu'un au loin !

Vous pouvez aussi essayer de faire un « ou ou » comme si vous appeliez quelqu’un au loin avec une voix assez aigue. Cela peut également provoquer le soulèvement du palais mou. 

Pourquoi est-ce si abstrait ?

Effectivement, beaucoup de chanteurs bloquent un peu sur cette histoire de lever le voile du palais. Moi-même, j’ai mis du temps à ressentir et à comprendre de quoi il s’agissait. Alors, il est vrai que certaines personnes vont trouver le « truc » tout de suite, spontanément. Il n’y a pas toujours besoin de se poser autant de questions. Mais si toi aussi, tu galères un peu, je voudrais t’expliquer pourquoi et te rassurer ! 

Muscle oublié !

Pour commencer, le voile du palais est un muscle que nous utilisons sans en être conscients. Il se déplace pour former les voyelles lorsque nous parlons, pendant la déglutition ou quand nous bâillons… Mais ces actions se font automatiquement. Or, ici, on nous demande de le contrôler consciemment, ce qui est une autre affaire.

Ce muscle n’est pas particulièrement conscientisé, ce qui signifie que nous le ressentons peu. Cela s’explique par le fait que les capteurs sensoriels situés sur le voile du palais sont peu nombreux et peu précis.

Alors qu’il est facile de prendre conscience des muscles fessiers — par exemple, si je te demande de serrer les fesses, ton cerveau saura comment les contracter — ce n’est pas le cas pour le voile du palais. C’est pourquoi nous utilisons des « images ». Il faut du temps pour en prendre conscience, et c’est normal, donc reste patient !

 

 

Ce que l'on sent VS ce qu'il se passe réellement

Comme je le mentionnais plus tôt, les capteurs situés sur le voile du palais ne nous fournissent pas d’informations précises sur sa position. Il est même possible de penser qu’il est soulevé alors que ce n’est pas le cas. On dit que la proprioception de cette zone de ton corps est ‘complexe’.

Le voile du palais chez les chanteurs lyriques

L'étude qui remet tout en doute ?

Pour illustrer ce que je viens de dire avant, regardons de plus près la superbe étude faite sur les chanteurs lyriques grâce à l’imagerie. Le résultat de ces recherches prouve qu’il y a une différence entre ce que les chanteurs (professionnels) ressentent et la réalité de ce qu’on observe à l’imagerie. Surprenant, non ? 

Faut-il pour autant remettre en question cette image pédagogique de voile du palais qui se soulève ? A mon sens non ! Il faut simplement comprendre, que l’apprentissage du chant doit se faire en écoutant les sensations de son corps et non pas en observant ce qu’il se passe « scientifiquement ». Finalement, cela ne rendrait-il pas plus poétique et artistique l’art du chant ? Qu’en penses-tu ? 

Ne sois tout de même pas obsédé par le palais mou, n’oublie pas qu’il est également très important de savoir placer sa voix dans le masque. L’un des résonateurs les plus utiles à maitriser selon mon expérience. 

Si tu apprécies ma pédagogie et que tu souhaites apprendre les bases du chant pour une voix saine et solide, je propose ma formation Les Fondations de la Voix pour te mettre le pied à l’étrier. Elle te permet d’être sûr de partir sur de bonnes bases vocales. 

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