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Comment ouvrir pour bien chanter ?

Ouvrir pour bien chanter

Salut ! Aujourd’hui, on va parler de l’importance d’ouvrir pour bien chanter. Que ce soit l’ouverture de la bouche, de la mâchoire, de la voix, ou même des résonateurs, ce concept est essentiel en technique vocale. Mais que veut dire « ouvrir » concrètement, et comment l’appliquer ? Dans cet article, je vais t’expliquer concrètement comment ouvrir la bouche en chant lyrique, pour permettre de chanter sans effort et avec plus de résonance. L’ouverture est une grosse partie du travail pour obtenir une technique vocale en béton. 

L'importance de l'ouverture pour chanter

Avant de se plonger dans les détails techniques, il est essentiel de comprendre pourquoi on parle autant d’ouverture dans le chant. Nos cordes vocales vibrent grâce au flux d’air qui passe par la gorge. Mais pour que ces vibrations se transforment en un son harmonieux et résonnant, la gorge et les résonateurs doivent être ouverts, sans tensions parasites. Une ouverture adéquate permet à la voix de se libérer et de remplir l’espace sans effort.

En résumé : L’ouverture facilite la résonance, réduit les tensions et permet d’avoir une voix qui « porte » mieux.

Ouverture de la bouche vs ouverture de la mâchoire

Quand on te conseille d’ouvrir la bouche pour chanter, il ne s’agit pas uniquement d’ouvrir les lèvres ou d’abaisser la mâchoire. Une ouverture complète implique aussi la zone arrière de la bouche, là où se trouvent la langue et le voile du palais. Cette zone joue un rôle clé pour amplifier le son et éviter qu’il ne se « bloque » à l’avant.

Exercice : Le « Moito » vers « A »

  1. Commence par un son « Moito » (qui est fermé à l’arrière, car le voile du palais et la langue se touchent).

  2. Passe au son « A » en abaissant la langue pour dégager un espace à l’arrière de la bouche.

Cet exercice aide à comprendre la différence entre une ouverture frontale (avant de la bouche) et une ouverture complète qui implique également la gorge. En travaillant cet espace, tu permettras au son de mieux résonner. 

Voix nasale vs voix "dans le nez"

Une voix nasale résulte souvent d’une fermeture du voile du palais ou d’une position trop haute de la langue, ce qui dirige l’air vers le nez au lieu de la gorge. Bien que non dommageable, la voix nasale est souvent perçue comme « coincée » ou peu esthétique, en particulier pour des chants lyriques ou modernes qui requièrent de la clarté et de la puissance.

Exercice : Tester si ta voix est nasale

  • Chante une voyelle en te pinçant le nez.

  • Si le son change, cela signifie que ta voix est dans le nez.

En ouvrant légèrement le voile du palais, tu pourras diriger le flux d’air vers l’avant, sans passer par les voies nasales. Cela donne une voix plus claire et bien posée. Cet exercice permet également de développer la conscience de l’ouverture dans la gorge, qui est essentielle pour tous les styles de chant.

Ouvrir l'intérieur de la gorge : La "Deuxième bouche"

L’idée de la « deuxième bouche » est très utile pour les chanteurs. Elle fait référence à la zone entre le voile du palais et la base de la langue, située à l’arrière de la gorge. Cette « bouche intérieure » est particulièrement importante pour les voyelles, qui doivent être articulées en grande partie dans la gorge pour une meilleure résonance.

Exercice : Imaginer la deuxième bouche

  • À chaque voyelle chantée, concentre-toi sur une ouverture dans l’arrière de la bouche, comme si la gorge elle-même articulait le son.

  • Tu peux également visualiser cette ouverture comme un espace qui « s’élargit » vers le fond.

En développant cette habitude, tu apprendras à chanter sans « serrer » les sons vers l’avant. Les voyelles deviendront plus amples et rondes, ce qui est particulièrement utile pour le chant lyrique, mais aussi, dans une moindre mesure, pour le chant moderne.

Ouvrir le résonateur du masque

Les résonateurs, notamment ceux autour du nez et des pommettes (le masque), contribuent énormément à la projection de la voix. Lorsqu’on chante, ces cavités jouent un rôle de caisse de résonance qui amplifie le son naturellement.

Astuce : Utiliser le « Ronflement » pour Ouvrir les Résonateurs

  1. Fais un léger ronflement, comme si tu respirais de façon exagérée, pour sentir l’ouverture dans les cavités nasales.

  2. Maintiens cette sensation d’ouverture quand tu chantes une note.

Cet exercice active le résonateur du masque, augmentant ainsi le volume et la clarté de la voix. Cette technique est particulièrement efficace pour les notes aigües, qui nécessitent souvent une résonance plus marquée.

Erreurs courantes à éviter

Voici quelques erreurs fréquentes que font les chanteurs en débutant l’exercice d’ouverture, ainsi que des conseils pour les éviter :

Trop ouvrir la bouche devant : Beaucoup pensent que chanter avec une grande bouche ouverte devant suffit, mais si l’arrière est fermé, le son ne sortira pas bien.

Oublier la détente de la mâchoire : Une mâchoire crispée peut bloquer le passage de l’air, créant des tensions inutiles.

Forcer la voix vers le nez : Cela peut causer une voix « dans le nez » indésirable. Pense à baisser la langue et à ouvrir le voile du palais pour libérer la gorge.

Penser à ouvrir « en force : Cette erreur est très courante. Si tu penses à « écarteler » la gorge pour ouvrir, tu n’auras pas la meilleure ouverture. Ce sont des sensations subtiles de détente de zones qui mettent du temps à être conscientisées. Patience et persévérance ! 

Conseil : Travailler régulièrement les exercices d’ouverture et de respiration pour intégrer ces techniques en douceur.

Bonus : La respiration et l'ouverture

N’oublie pas que la respiration est primordiale pour bien chanter. En abaissant bien ton diaphragme en réalisant une inspiration profond tu créés de l’espace dans la gorge. Cela provoque une « ouverture dans la détente » qui peut considérablement changer ton confort et le son de ta voix ! Alors n’oublie JAMAIS la respiration ! 

Chanter c’est d’abord et avant tout une question de respiration et de souffle. 

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Contrôler sa voix – Maitriser le legato et le staccato

Legato et staccato

Contrôler sa voix - Legato et Staccato (Transcription)

Salut les amis ! 

Aujourd’hui, on parle de maîtrise et de contrôle de la voix. Plus exactement de contrôler sa voix par le Legato et le Staccato. En fin de compte, il s’agit surtout de contrôler son flux d’air. Nous allons aborder cette question avec deux exercices essentiels : le legato et le staccato. Pour moi, ces deux exercices te permettent de savoir où tu en es dans la maîtrise de ta voix. Si tu arrives à maîtriser ces deux types d’articulations, cela signifie que tu maîtrises déjà très bien ton souffle, ta respiration et la fermeture des cordes vocales. Ce sont deux points cruciaux pour avoir une bonne maîtrise de la voix.

Legato et Staccato : Pourquoi sont-ils si importants ?

Tous les chanteurs, peu importe leur style, doivent savoir les maîtriser, même si ce ne sont pas forcément des articulations que tu utiliseras tout le temps. Réussir ces exercices prouve que tu as une bonne maîtrise vocale.

Si tu ne me connais pas, je suis Aurore, chanteuse lyrique de formation et sophrologue. Sur cette chaîne, j’ai vraiment envie de t’apprendre la technique de base, c’est-à-dire apprendre à maîtriser ta voix et tous ses paramètres, indépendamment du style musical. Même si je fais aussi des vidéos spécifiques pour les chanteurs lyriques, ces techniques s’appliquent à tous les chanteurs.

"Contrôler sa voix" ?

Comme je te l’ai dit, contrôler sa voix, c’est avant tout maîtriser son souffle et avoir un bon contrôle des muscles de la gorge. Cela consiste aussi à savoir actionner ses cordes vocales au bon moment pour qu’elles vibrent bien, tout en gérant correctement le flux d’air. Pour être honnête, tout cela représente un aboutissement dans la technique vocale de base. Si tu as des problèmes de justesse, d’aigus, de souffle, de tensions dans la gorge ou de vibrato, vérifie que ta voix est bien placée sur le souffle et que tu contrôles bien ton flux d’air et la fermeture des cordes vocales.

J’en parle déjà dans plusieurs vidéos, et j’ai même créé une formation qui explique étape par étape comment placer la voix sur le souffle, gérer les tensions dans la gorge et commencer à faire résonner correctement ta voix. Si tu veux en savoir plus, je t’ai mis un lien dans la description.

Qu'est ce que le Legato ?

Le legato signifie « lié » en italien, et pour moi, c’est vraiment la base du chant. Chaque note doit être liée à la suivante grâce à ton souffle. Si ta voix est bien sur le souffle, tu réussiras à chanter en legato.

Le legato n’est pas réservé aux chanteurs lyriques. C’est un mode fondamental pour tous les chanteurs. Le souffle doit être régulier, que tu passes d’une note grave à une note aiguë, ou l’inverse. Il ne faut pas changer la vitesse d’air en fonction des notes, ton flux d’air doit rester constant.

Ce qui est souvent difficile, c’est la transition entre deux notes. Beaucoup de chanteurs arrêtent ou modifient leur souffle entre deux notes, ou font une petite articulation avec la gorge. Pourtant, chaque note doit être portée uniquement par le souffle, sans intervention de la gorge. Les changements de notes doivent se faire en ajustant la pression d’air et en étirant les cordes vocales, tout en maintenant le flux d’air régulier.

Comment chanter Legato - Exercice

Un bon exercice pour travailler le legato est le lip trill (vibration des lèvres). Passe d’une note à l’autre sans augmenter la vitesse d’air. Même si tu montes dans les aigus, la vibration des lèvres doit rester la même. Cela te permet de développer un souffle régulier, essentiel pour réussir le legato.

Un legato réussi, ce n’est pas simplement deux notes liées sans silence. Les deux notes doivent avoir le même espace de résonance et la même vitesse d’air. Pour y arriver, cela vient du souffle et du ventre. 

Staccato ou "notes piquées"

Le staccato, ou « notes piquées », correspond à des notes très courtes, séparées par des silences. Pour bien le faire, il faut que ton souffle arrive au même moment où tes cordes vocales s’accolent pour vibrer. Cela demande un contrôle précis de ton souffle et de la fermeture des cordes vocales.

Le staccato nécessite que l’air et les cordes vocales soient parfaitement synchronisés, avec une fermeture douce et une vibration dans la détente. Si tu réussis cet exercice, cela montre déjà une très bonne maîtrise vocale.

Comment faire le Staccato - Exercice

Pour t’entraîner au staccato, commence par des consonnes piquées avec ton ventre, comme un « ch » ou un « ss », en rentrant légèrement le ventre à chaque émission sonore. Fais-le d’abord de façon énergique, puis plus doucement pour contrôler l’air et la puissance.

L’important est d’avoir une bonne coordination entre le souffle et la fermeture des cordes vocales. Ensuite, tu peux essayer avec des voyelles, en gardant le contrôle sans donner de coups brusques.

Conclusion

Le legato et le staccato sont deux exercices techniques qui te permettront de savoir où tu en es dans la maîtrise de ta voix. Ils demandent un travail rigoureux, mais une fois maîtrisés, ils t’aideront à résoudre de nombreux problèmes vocaux.

N’hésite pas à me dire en commentaire si tu as réussi ces exercices et si tu as des questions. Si tu as aimé cette vidéo et que tu es motivé pour progresser, mets « Motivé » en commentaire ! Je te dis à très vite pour la suite de ton apprentissage vocal.

J’espère que cette version est plus fidèle tout en étant bien structurée. N’hésite pas si tu veux d’autres ajustements !

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Comment projeter sa voix quand on chante ?

Bien projeter sa voix. Cercle concentrique.

As-tu déjà ressenti cette frustration de ne pas être entendu, même en parlant fort ? Ou bien cette sensation de devoir forcer sur ta gorge pour que ta voix porte suffisamment ? De ne pas avoir assez de puissance vocale ? Cette difficulté provient certainement du fait que tu ne sais pas bien projeter ta voix. 

La projection de la voix consiste à utiliser des techniques pour faire résonner la voix à l’intérieur de notre corps, permettant ainsi d’amplifier naturellement le son sans fatiguer la gorge. Je vais te présenter les éléments et étapes indispensables pour projeter sa voix en prenant soin de ses cordes vocales.

Qu’est ce que la projection vocale ? Et pourquoi c’est important...

La projection vocale est la capacité d’un chanteur à faire entendre sa voix au loin sans l’aide d’un micro. Certains possèdent cette aptitude naturellement, tandis que d’autres (la grande majorité) doivent la travailler.

Nombre de mes élèves se méprennent sur le terme de « projection ». Ils imaginent que la voix est un son qui sort de la bouche et doit être projeté loin vers l’avant. Cette visualisation mène souvent à une mauvaise utilisation du souffle, entraînant un forçage vocal. Ce n’est pas ainsi qu’il faut concevoir et ressentir la projection vocale. Il ne faut pas reproduire physiquement l’idée de « projeter » sa voix.

Projeter sa voix signifie se faire entendre de loin. Pour cela, il faut de la puissance et des harmoniques aigus, ce qu’on appelle aussi « l’accroche du son ». Ce n’est en aucun cas une question de projeter le souffle. Il est crucial de faire résonner la voix dans les résonateurs et, surtout, de se concentrer sur le plus important pour la puissance : le masque.

La projection vocale est donc le résultat d’une voix posée sur le souffle, bien soutenue, avec un son qui résonne efficacement dans le masque.

La résonance de la voix

Voyons maintenant ensemble comment faire résonner la voix. Tu dois savoir qu’il existe plusieurs résonateurs : le masque, le pharynx et la bouche. En fonction de la forme de ces résonateurs et de la qualité des muqueuses, le son produit sera différent. J’aborde ce sujet en détail sur ma chaîne YouTube, dans une vidéo où j’explique comment il est possible de façonner sa voix grâce aux résonateurs.

Le masque est le résonateur le plus important à développer pour obtenir une bonne projection de la voix. En effet, il permet de développer les harmoniques aigus nécessaires pour que la voix soit entendue de loin. Bien sûr, il est également important de travailler les autres résonateurs pour obtenir un son rond et harmonieux. Cependant, une voix sans masque ne projettera pas efficacement.

Projeter sa voix. Voix dans le masque.

Exercice pour développer le masque

L’exercice par excellence pour développer le masque est le « moito ». Il s’agit de produire un son étrange en isolant ce résonateur. Pour le réaliser, il te suffit de dire « shopping » et de chanter sur le « ng ». Le but est de trouver un son semblable à celui d’un bébé chat qui crie ! Le son ne doit pas être beau, l’objectif est simplement de sentir les résonances dans le masque. C’est un excellent point de départ !

Cependant, il est crucial de bien faire cet exercice. Si tu le réalises incorrectement, tu pourrais fatiguer ta voix ou adopter de mauvaises habitudes. Il est donc fortement recommandé de te faire aider par un professeur de chant ou de suivre de bons tutoriels en ligne pour t’assurer de le faire correctement. Je te propose une routine vocale pour placer sa voix dans le masque !

Développer la résonance de ta voix dans le masque demande du temps et de la pratique, mais avec les bonnes techniques et une pratique régulière, tu constateras rapidement des améliorations significatives.

 

Un bon soutien

Le soutien est indispensable pour bien projeter sa voix. Il permet de faire vibrer les cordes vocales sans les forcer. Pour cela, il faut apprendre à placer sa voix sur le souffle. 

En d’autres termes, le soutien est le socle essentiel pour projeter sa voix sans crier.

Beaucoup de personnes pensent qu’il faut « balancer sa voix vers l’avant » ou « pousser sa voix devant » pour la projeter loin. Cette approche crée une trop grande pression sous les cordes vocales, ce qui entraîne un forçage vocal. Au lieu de cela, il faut sentir et imaginer que la voix entre à l’intérieur de ton corps pour vibrer et résonner, tout en « posant » sa voix.

Poser sa voix signifie trouver le bon flux d’air, celui qui permet à tes cordes vocales de vibrer correctement. On a souvent l’impression qu’il faut beaucoup d’air et d’énergie, mais en réalité, il faut canaliser cette énergie et économiser son air.

Respiration diaphragmatique

Apprendre à respirer correctement est la première étape pour un bon soutien vocal. La respiration diaphragmatique est essentielle. Allonge-toi sur le dos, pose une main sur ton ventre et respire lentement. Ton ventre doit se soulever à chaque inspiration. Cela t’aidera à utiliser ton diaphragme plutôt que de respirer uniquement avec la poitrine.

Il est important de sentir que ton inspiration est détendue. Pour cela tu peux télécharger mon guide gratuit « BA ba de la respiration du chanteur ». 

« ss »

Puis entraine-toi à faire un « ss » le plus longtemps possible en gardant le même flux d’air. Cela va te permettre d’engager ton ventre et te permettre de sentir un début de soutien vocal !

L’exercice de la paille

Pour ceux qui veulent vraiment améliorer leur projection vocale, je recommande l’exercice de la paille. Cet exercice consiste à chanter à travers une paille pour sentir l’équilibre des pressions sous glottiques et sus glottique. En d’autres termes, une voix posée qui ne force pas. 

Comment faire l’exercice de la paille :

  1. Prends une paille et place-la entre tes lèvres (il faut que ce soit bien hermétique !).

  2. Inspire par le ventre en utilisant ton diaphragme.

  3. Chante une note ou une phrase en soufflant doucement dans la paille et en faisant des bulles dans un verre d’eau.

  4. Concentre-toi sur le maintien d’un flux d’air constant et détendu. Les bulles doivent être toujours de même intensité (début ou fin de souffle, aigus comme graves).

Cet exercice aide à canaliser l’air et à économiser l’énergie, tout en évitant le forçage vocal. C’est une excellente technique pour apprendre à poser sa voix correctement. Il est très utilisé par les orthophoniste pour rééduquer certaines pathologies vocales liées au forçage vocale. 

 

 

Oser !

Parfois, tout semble techniquement correct, mais la voix ne projette pas comme elle le devrait. Elle peut sembler « bloquée » ou « retenue » à l’intérieur. La voix est mystérieuse et il y a encore beaucoup de choses que nous ne comprenons pas à son sujet. C’est pourquoi je répète souvent sur ce blog et sur ma chaîne YouTube : « Il n’y a pas de formule mathématique pour apprendre à chanter. »

 

Ne pas oser chanter ! Peur de chanter ! Libérer sa voix !

La voix est difficile à contrôler parce qu’elle est profondément liée à notre état psychologique.

Les muscles impliqués dans l‘émission vocale sont en grande partie autonomes, ce qui signifie que nous ne les contrôlons pas directement. Tu vois le problème ?

Si tu as peur de chanter, si tu appréhendes un aigu, si tu te poses des questions sur ta légitimité, si tu as peur de faire trop de bruit… Ton cerveau envoie un message à ton larynx pour se « retenir » et va avoir envie de serrer ta voix. Il est donc difficile de projeter sa voix avec cet état d’esprit. 

Pour débloquer sa voix et la faire projeter correctement, il est crucial de soigner non seulement son instrument (le corps) mais aussi son mental. 

Voici quelques conseils pour y parvenir :

Relaxation et gestion du stress

Le stress et la tension peuvent sérieusement limiter la projection vocale. Des techniques de relaxation comme la méditation, le yoga ou la respiration profonde peuvent aider à réduire le stress et à relâcher les tensions musculaires. En prenant soin de ton mental, tu permets à ta voix de s’exprimer plus librement.

Je sais c’est facile à dire ! Mais vraiment, une petite séance de relaxation avant de chanter sera toujours bénéfique ! Tu peux d’ailleurs trouver sur Youtube une relaxation pour chanteurs. 

Confiance en soi

La projection vocale est souvent une question de confiance. Si tu doutes de ta capacité à te faire entendre, cette hésitation se reflétera dans ta voix. Prends le temps de travailler sur ta confiance en toi. Visualise-toi en train de chanter avec puissance et clarté. Crois en ta capacité à projeter ta voix.

Visualisation positive

La visualisation est une technique puissante pour améliorer la projection vocale. Imagine-toi en train de chanter dans une grande salle et que ta voix atteint le fond de la pièce sans effort. Cela peut aider à conditionner ton esprit et ton corps à projeter ta voix plus efficacement.

 

Acoustique et projection de la voix

Il est vrai que certains endroits semblent rendre la projection de la voix plus aisée, tandis que dans d’autres, elle semble se perdre, nous laissant à nous égosiller. Cette perception est étroitement liée à l’acoustique de l’environnement.

En fait, la qualité de la projection vocale dépend non seulement de la technique employée, mais aussi de la manière dont nous percevons notre propre voix dans un espace donné. Même avec une technique impeccable, nos sensations vocales peuvent varier selon l’acoustique de la pièce.

Expliquons cela plus en détail : notre système vocal est conçu de telle sorte que notre cerveau envoie constamment des signaux à notre larynx pour qu’il s’adapte en fonction de ce qu’il perçoit. Ainsi, si nous avons du mal à nous entendre (par exemple, dans un lieu bruyant), nous avons tendance à forcer sur notre voix.

C’est là qu’il est crucial de faire confiance à sa technique vocale. Même si nous avons l’impression que le son se perd dans certaines acoustiques, il ne faut pas nécessairement modifier notre manière de projeter la voix. En fait, cela pourrait conduire à une tension inutile et à une projection excessive.

En résumé, bien que l’acoustique influence notre perception de la projection vocale, il est important de maintenir une technique vocale appropriée et de ne pas se laisser entraîner par ce que l’on entend. La confiance en sa technique est essentielle pour une projection vocale efficace, quel que soit l’environnement acoustique.

Je me demande si tu as déjà essayé de comparer ta voix projetée dans différents espaces pour mieux comprendre ce phénomène !

Ce qu’il faut retenir :

La projection vocale est une compétence cruciale pour faire entendre sa voix sans effort excessif. Pour parvenir à une projection efficace, il est essentiel de comprendre que :

  1. La projection vocale ne consiste pas simplement à pousser sa voix vers l’avant, mais à faire résonner la voix dans les résonateurs appropriés, en particulier le masque, pour produire des harmoniques aigus nécessaires à une projection lointaine.

  2. Un bon soutien vocal, obtenu en plaçant la voix sur le souffle et en utilisant le diaphragme correctement, est indispensable pour projeter sa voix sans forcer les cordes vocales.

  3. L’aspect mental peut jouer un rôle dans la projection vocale, avec la relaxation, la gestion du stress, la confiance en soi et la visualisation positive qui aident à débloquer la voix et à la projeter efficacement.

  4. L’acoustique de l’environnement peut influencer la perception de la projection vocale, mais il est important de maintenir une technique vocale constante plutôt que de modifier la projection en fonction des sensations.

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Comment préserver sa voix quand on chante ?

Tu sais que la voix est fragile… Sans devenir parano, il est normal de souhaiter préserver sa voix de blessures et tout simplement bien entretenir sa voix dans le but de la maintenir en forme le plus longtemps possible. 

Protéger sa voix c’est l’ensemble d’une technique vocale saine, de bonnes habitudes vocales au quotidien et d’une bonne hygiène de vie. Je vais te détailler tout cela dans cet article et te donner des astuces pour prendre soin de ta voix.

Prendre soin de sa voix avec une bonne technique vocale

La technique vocale est essentielle pour maintenir une voix saine et durable. 

En réalité, ce n’est pas toujours aussi simple. Une mauvaise technique peut provoquer des pathologies vocales telles que des nodules, des polypes et divers autres problèmes que l’on préférerait éviter. Cependant, il existe des exceptions à cette règle. Richard Miller explique qu’il est impossible de prédire la longévité d’une voix.

Je reformulerais en disant qu‘une excellente technique vocale réduit considérablement le risque d’abîmer sa voix. Bien sûr, il y a certains « ovnis » qui ne se blesseront jamais malgré une technique imparfaite. Nous ne sommes pas tous égaux en la matière, et c’est ainsi. Néanmoins, il paraît beaucoup plus sage et logique de se bâtir une excellente technique vocale.

L’objectif principal est de fuir tout ce qui pourrait entrainer de la fatigue vocale. Voici donc les éléments les plus importants de la technique à retenir pour préserver sa voix.

Chasser les tensions parasites

Si tu me suis un peu sur les réseaux sociaux, tu sais que je parle TOUS LE TEMPS de l’importance de chasser les tensions parasites ! Ces tensions sont souvent à l’origine du forçage vocal. Avant même de chercher à « mettre la voix dans le masque » ou « avoir plus de puissance », il est crucial de prendre conscience des tensions inutiles et de les éliminer. Je t’en parle souvent dans mes articles et vidéos, mais voici les zones à surveiller :

  • La mâchoire : Une mâchoire tendue peut nuire à la liberté de ta voix.

  • La langue : Une langue rigide peut limiter la résonance et provoquer de la fatigue.

  • Les épaules : Des épaules contractées limitent ta capacité respiratoire et ajoutent une tension inutile.

  • La nuque : Une nuque tendue affecte l’alignement de ton corps et la liberté de tes cordes vocales.

Peut-être as-tu des problèmes de dos ou des soucis de mâchoire ? Je ne suis pas là pour te dire comment soigner ces problèmes, mais pour t’expliquer que certains problèmes vocaux peuvent en découler. Il n’est donc pas inutile de t’en préoccuper. Pourquoi ne pas consulter un kiné ou un ostéopathe ?

Mon rôle, c’est de t’expliquer qu’il ne faut pas RAJOUTER de tensions lors de l’émission vocale. Et rien que cela demande du temps et du travail. Oui, je sais, ce n’est pas très glamour, mais c’est la vérité.

Conseils pratiques pour limiter les tensions parasites :

  1. Étirements et échauffements : Commence par des exercices d’échauffement pour préparer ta voix et quelques mouvements pour réveiller le corps. 

  2. Posture : Adopte une bonne posture, debout ou assis, en alignant bien ta colonne vertébrale et en gardant les épaules détendues.

  3. Respiration : Travaille ta respiration pour qu’elle devienne bien basse et détendue. 

  4. Relaxation : Intègre des techniques de relaxation comme le yoga, la méditation, la cohérence cardiaque ou la sophrologie pour réduire le stress général et les tensions physiques. 

Une voix calme et posée

Pour éviter de forcer sur ta voix et de l’abîmer, il est essentiel que tes cordes vocales vibrent sans contraintes. Cela repose sur un flux d’air adapté, qui doit être constant et équilibré. En effet, un flux d’air trop intense peut entraîner une tension excessive des cordes vocales, tandis qu’un flux trop faible peut les fatiguer en les forçant à compenser.

Ce concept de flux d’air optimal est au cœur du soutien vocal. Le soutien vocal implique une gestion consciente de ta respiration pour maintenir une pression d’air régulière et appropriée, ce qui permet à tes cordes vocales de fonctionner efficacement sans effort excessif.

Pour maîtriser le soutien vocal, il est important de travailler sur plusieurs aspects :

  1. La respiration : Apprendre à respirer avec le ventre (et donc le diaphragme) plutôt qu’avec la poitrine permet de mieux contrôler le flux d’air et de fournir un soutien stable.

  2. La posture : Une bonne posture permet une meilleure expansion pulmonaire et une circulation d’air plus efficace. Assure-toi de te tenir droit, avec les épaules détendues et la tête alignée avec ta colonne vertébrale.

  3. Les exercices de soutien : Pratiquer des exercices spécifiques, comme le souffle continu ou les sirènes vocales, peut aider à développer la force et la constance de ton soutien vocal. L’exercice phare pour travailler le flux d’air est celui de la paille.

J’explique plus en détail le soutien dans mon « kit de démarrage » pour les commencer le chant, une formation de chant en ligne conçue pour t’aider à acquérir des bases solides. Cette formation te guidera à travers les étapes essentielles pour commencer le chant sans te faire mal, en mettant l’accent sur la compréhension de ton instrument, la détente, la voix sur le souffle et la conscience du corps.

Formation "Kit de demarrage" pour chanteur débutant. Commencer le chant avec de bonnes bases. formation en ligne avec vidéos préenregistrées et suivi vocal.

La voix est un muscle qui s'entretien

Il est vrai que la technique vocale ne fait pas tout. En effet, il existe des chanteurs avec des techniques apparemment assez désastreuses qui ne se blessent jamais. Richard Miller en conclu que « cela signifie que dans le chant comme dans la vie, nous n’avons jamais tous les éléments de contrôle en main ».

À cela, j’ai envie de te dire deux choses :

  1. Nous sommes inégaux : Certains d’entre nous ont des cordes vocales fragiles, tandis que d’autres sont très résistants. C’est une réalité qu’il faut accepter. Pour ma part, je me considère comme étant très fragile.

  2. L’entretien de la voix : Même si la technique vocale ne fait pas tout, il est indéniable qu’un instrument, lorsqu’il est bien entretenu, vieillira mieux. De la même manière, une voix travaillée et entretenue quotidiennement restera plus saine et durable qu’une voix négligée. La pratique régulière de techniques vocales adéquates aide à préserver la qualité et la longévité de ta voix. Il semblerait que le « constant entrainement de la « machine vocale » peut retarder le processus de l’âge, en différant au moins certains aspects des ravages du temps ».

En conclusion, même si nous ne pouvons pas tous prétendre à des cordes vocales d’acier, il est important de préserver notre voix en pratiquant bien et régulièrement. 

Prendre soin de sa voix : Technique et hygiène de vie

Protéger sa voix au quotidien

Pour préserver sa voix lorsque l’on est chanteur, il est essentiel d’avoir une technique vocale solide, mais cela ne suffit pas. Il est également crucial d’adopter de bonnes habitudes vocales et une hygiène de vie saine au quotidien.

Un corps en mauvaise santé ou fatigué aura plus de difficultés à soutenir une voix. Il est donc judicieux de prendre soin de ses cordes vocales pour éviter tout désagrément qui pourrait nous amener à compenser avec un mauvais geste vocal.

Voici mes conseils pour prendre soin de ta voix au quotidien :

  1. Éviter les éclats de voix : Les cris et les éclats de voix sont très mauvais pour tes cordes vocales.
  2. Éviter de fumer ou de boire de l’alcool : Ces substances irritent les cordes vocales et nuisent à la santé générale de ta voix.
  3. Parler de façon posée : Au quotidien, adopte une parole posée avec une inspiration basse et détendue.
  4. Chanter des morceaux adaptés : Choisis des chansons adaptées à ta tessiture et dans la bonne tonalité pour éviter de forcer.
  5. Éviter les attaques glottiques trop dures : Les attaques glottiques violentes peuvent endommager les cordes vocales.
  6. Régler le reflux gastro-oesophagien : Si tu souffres de reflux, adopte une alimentation appropriée et ne t’allonge pas juste après manger pour minimiser les symptômes.
  7. Apprendre à bien parler : Surtout dans des contextes bruyants, comme en soirée, utilise une technique vocale appropriée pour éviter de forcer.

En adoptant ces habitudes, tu pourras protéger ta voix et éviter les fatigues inutiles et les dommages à long terme. 

Prendre soin de sa voix c’est aussi et surtout prendre soin de sa santé générale ! Alors prends soin de toi et de ta voix, c’est ton instrument le plus précieux !

Apprendre à écouter et protéger sa voix

Protéger sa voix c’est avant tout savoir l’écouter. Tu dois adopter une attitude positive envers ta voix. Ne la maltraite pas ! Dès que tu ressens de la fatigue, dès que tu sens des tensions, dès qu’elle est plus faible, repose là ! 

Je bassine mes élèves avec l’importance de la proprioception. C’est la capacité à reconnaitre où sont placés les différents éléments de son corps dans l’espace sans les voir. C’est grâce à nos sensations profondes que nous sommes capable en tant que chanteur de savoir si notre voix est bien placée ou non ! 

La voix est magique ! Elle est le reflet de notre état psychologique. Je suis bien placée pour le savoir, je suis extrêmement anxieuse et ma voix me joue des tours ! Si c’est le cas, prends soin de ton corps mais aussi de ta tête. 

Bien chanter c’est une voix saine dans un corps en forme et un esprit apaisé ! 

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Comment changer le timbre de sa voix ?

Tu voudrais être capable de changer le timbre de ta voix ? Tu en as marre de chanter de façon monotone ? Toujours de la même manière ? Tu te demandes comment les chanteurs font pour chanter avec des voix différentes ? Tu souhaiterais savoir un peu plus contrôler ta voix pour en faire ce que tu veux ?  De faire des variations de voix ?

Aujourd’hui, nous allons explorer ensemble la création de différentes couleurs vocales, c’est-à-dire comment modifier ta voix en comprenant bien ton instrument. Il existe plusieurs manières de changer sa voix et de varier le type de son. 

Dans cet article, on va parler de mécanismes, de résonateurs et du positionnement de la bouche, de la gorge et du larynx, ces éléments qui influent sur la couleur de ta voix. 

Cette exploration vise à enrichir ton interprétation en offrant une variété de sons, mais aussi à approfondir ta compréhension et le contrôle de ta voix. C’est précisément la connaissance de ton instrument et une excellente technique vocale qui te permettront de mieux contrôler le timbre de ta voix.

Je préviens que cet article sera dense pour les débutants, mais je t’orienterai vers d’autres contenus si tu veux explorer davantage certains concepts.

Chaque mécanisme donne une "couleur" à la voix

Les mécanismes

Les mécanismes vocaux sont essentiels pour trouver une diversité de couleurs vocales et réussir à chanter avec des voix différentes. Voici un rappel des différents mécanismes :

  1. Voix de Poitrine (mécanisme 1) : Utilisée pour les notes plutôt graves et médium.

  2. Voix de Tête (mécanisme 2) : Utilisée globalement pour les tons plus aigus et clairs.

    Il existe aussi le mécanisme 0 (le Fry) et le mécanisme 3 (la voix de sifflet), mais ils sont peu utilisés, je n’en parlerais donc pas dans cet article.

    Les chanteurs peuvent utiliser ces deux registres de manière interchangeable ou combiner les deux pour obtenir une gamme plus étendue de sons et de « timbre ». Le passage entre la voix de poitrine et la voix de tête peut être lisse et fluide avec la pratique et la maîtrise de la technique vocale.

     La voix mixte est une construction pédagogique qui consiste à créer une voix entre la voix de tête et la voix de poitrine. Dans les faits, il s’agit soit d’une voix de poitrine qui imite les résonateurs de la voix de tête, soit d’une voix de tête qui imite les résonateurs de la voix de poitrine. 

Comment chanter en poitrine ou en tête ?

Mise en pratique : Pour trouver ta voix de poitrine, imagine-toi en train de parler avec assurance. Pour la voix de tête, les femmes peuvent essayer de produire un son aigu. Les hommes peuvent essayer de monter le plus haut possible jusqu’à ce que la voix bascule en voix de tête.

Les chanteurs modernes (hommes et femmes) utilisent plus fréquemment le mécanisme de poitrine. La voix de tête est néanmoins souvent utilisée sur certains passages, ce qui permet de donner une couleur différente et d’enrichir l’interprétation. 

Les chanteurs lyriques (hommes) chantent principalement en mécanisme de poitrine, sauf les contre-ténors qui utilisent le mécanisme de tête. Les chanteuses lyriques utilisent le mécanisme de tête pour toute la tessiture située au-dessus du do 3 (environ). 

Voix timbrée et voix soufflée

Pour modifier la couleur ou le timbre de ta voix, tu peux changer ton émission vocale en faisant une voix plus ou moins « soufflée ». Il s’agit de faire passer plus ou moins d’air entre les cordes vocales. 

 

Voix soufflée (détimbrée)

En résumé, la voix soufflée est une technique vocale où le chanteur utilise principalement de l’air plutôt que la vibration « normale » des cordes vocales pour produire un son. Elle peut être utilisée pour créer une variété d’effets sonores dans le chant, offrant une texture unique à la performance.

Voici comment fonctionne généralement la technique de la voix soufflée :

  1. Contrôle de l’air: Le chanteur contrôle délibérément la quantité d’air qu’il laisse passer à travers ses cordes vocales. Il peut le faire en ajustant la pression de l’air et en modifiant la forme de sa bouche et de sa gorge.

  2. Peu de vibration des cordes vocales: Contrairement à une technique vocale standard où les cordes vocales vibrent pleinement pour produire un son, dans la voix soufflée, les cordes vocales vibrent très peu ou pas du tout. Au lieu de cela, le son est essentiellement produit par le passage de l’air à travers la gorge.

  3. Effets sonores: Cette technique peut produire une variété d’effets sonores, allant du doux et chuchoté au rugueux et râpeux. 

Voix timbrée

Contrairement à une voix soufflée, où l’accent est souvent mis sur le contrôle de l’air plutôt que sur la qualité du son, une voix timbrée met l’accent sur la clarté et la richesse du son produit. 

Une voix timbrée est une voix qui se concentre sur la qualité des harmoniques qui constituent la voix. Ces harmoniques se développent grâce aux résonateurs ! En chant, un résonateur fait référence à une partie du corps qui amplifie et enrichit le son vocal. Les résonateurs jouent un rôle crucial dans la production d’une voix claire, riche et bien projetée.

Cependant, il est important de souligner que la voix « timbrée » peut être colorée de différentes manières. Tout comme un peintre possède sa palette de couleurs et réalise des mélanges, le chanteur peut changer de résonateur et procéder à ses propres ajustements pour obtenir le son souhaité, comme s’il concoctait sa propre « recette » musicale.

Pour avoir une voix timbrée, il faut travailler 2 notions primordiales :

Contrôle du flux d’air :

    • Pour produire un timbre vocal distinctif, il faut un contrôle précis sur la manière dont l’air est dirigé à travers les cordes vocales. Il faut avoir la voix sur le souffle. 
    • Contrairement à la voix soufflée, où l’accent est souvent mis sur le contrôle de l’air plutôt que sur la qualité tonale, une voix timbrée met l’accent sur la précision et la clarté du son produit.
    • Pour cela, tu dois travailler les exercices de base comme la paille, et sur des sons voisés. 

Richesse harmonique :

    • Une voix timbrée a généralement une richesse harmonique, ce qui signifie qu’elle produit de multiples harmoniques qui enrichissent le son. Cela peut donner à la voix une qualité plus riche et plus complexe, la distinguant des voix plus simples ou moins contrôlées.
    • Une voix timbrée est fréquemment associée à une bonne projection et à une résonance bien équilibrée. Cela signifie que le son est projeté efficacement et résonne de manière équilibrée dans différentes parties du corps, créant ainsi une sonorité pleine et puissante.
    • Pour travailler la richesse harmonique tu dois explorer les résonateurs de ta voix : Le masque, le voile du palais, le pharynx et la connexion au corps. 

Je parle davantage des résonateurs dans cette vidéo.

Positionnement de la bouche, gorge et larynx

La position de la bouche, de la gorge et du larynx est cruciale pour la qualité du son vocal. Selon leur placement, la voix peut être modifiée de manière significative.

  1. La bouche : Le positionnement vertical ou horizontal des lèvres influe sur le son produit. Une bouche verticale peut donner un son plus rond, tandis qu’une bouche élargie sur les côtés peut produire un son plus clair et plus plat. En avançant la lèvre supérieure, comme pour former un « O », le son devient plus rond en raison de l’effet de résonance créé sous la lèvre.

  2. La gorge (et le pharynx) : Ouvrir ou fermer la gorge influence la composition harmonique de la voix. Une gorge très ouverte tend à produire des harmoniques plus graves, créant un son plus chaleureux. Il est important d’expérimenter différents degrés d’ouverture de la gorge pour découvrir les variations sonores.

  3. Le larynx : Bien que la hauteur tonale puisse être maintenue constante, le positionnement du larynx influence le caractère du son. Un larynx plus haut ou plus bas générera différents timbres. Il est recommandé d’explorer ces variations pour comprendre leur impact sur la sonorité de la voix.

En résumé, expérimenter avec le positionnement de la bouche, de la gorge et du larynx permet de découvrir une gamme étendue de possibilités sonores et d’affiner sa technique vocale.

Exemples

 

  • Voix de poitrine avec de l’air : Carla Bruni

  • Voix de tête avec de l’air : Mariah Carey

  • Voix de poitrine sans air : Mariah Carey, Céline Dion, Adèle

  • Voix de tête sans air : Evanescence, Tarja, chanteuses d’opéra

 

Pour résumer, tu vas pouvoir chanter avec des voix différentes en variant les mécanismes, la vibration des cordes vocales et l’ajustement des résonateurs. 

N’hésite pas à me dire si cet article t’a été utile et à me poser tes questions ! 

Avais-tu conscience que tous ces paramètres pouvaient autant influencer la couleur de ta voix ? 

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Comment connaitre sa tessiture ?

Si tu as cliqué sur cet article, c’est que tu cherches à mieux comprendre ta voix. Et tu as raison, connaitre sa tessiture vocale est crucial pour un chanteur, qu’il soit débutant ou expérimenté. Dans cet article, nous allons explorer en détail ce qu’est la tessiture vocale, comment la déterminer avec précision et pourquoi elle est importante pour les chanteurs de tous niveaux.

Qu'est ce qu'une tessiture vocale ?

La tessiture vocale fait référence à la plage de notes dans laquelle une voix est la plus confortable et la plus homogène. Contrairement à l‘ambitus, qui désigne la plage totale de notes qu’une personne peut chanter, la tessiture se concentre sur la plage où la voix est la plus stable et la plus facile à contrôler. Connaitre ta tessiture te permettra d’éviter la fatigue vocale, de preserver ta voix et de la mettre en valeur. 

Les principales tessitures

Avant de plonger dans la méthode pour déterminer ta tessiture, commençons par clarifier les principales catégories vocales :

Tessiture

Description

Soprano

La voix la plus haute et la plus brillante dans la musique classique.

Mezzo-soprano

Une voix féminine située entre le soprano et l’alto, avec une tessiture plus étendue que ce dernier.

Alto

La voix la plus basse chez les femmes.

Ténor

La voix masculine la plus haute et la plus légère.

Baryton

Une voix masculine située entre le ténor et la basse.

Basse

La voix la plus basse chez les hommes.

Tessitures et exemples en chant moderne

Dans le contexte du chant moderne, les voix sont également classées en plusieurs catégories principales, qui se chevauchent souvent avec celles du chant classique :

  • Soprano : Ariana Grande, Beyoncé

  • Mezzo-soprano : Adèle, Demi Lovato

  • Alto : Billie Eilish, Norah Jones

  • Ténor : Bruno Mars, Ed Sheeran

  • Baryton : John Legend, Sam Smith

  • Basse : Barry White, Johnny Cash

Chaque catégorie a ses propres caractéristiques vocales distinctes, mais les chanteurs modernes peuvent également utiliser une plus grande variété de techniques et de styles vocaux.

Tessitures et exemples en chant lyrique

Dans la musique classique, les voix sont généralement classées de la même façon. Voici quelques exemples de chanteurs célèbres pour chaque tessiture :

  • Soprano : Maria Callas, Joan Sutherland

  • Mezzo-soprano : Cecilia Bartoli, Frederica von Stade

  • Alto : Kathleen Ferrier, Marian Anderson

  • Ténor : Luciano Pavarotti, Enrico Caruso

  • Baryton : Dmitri Hvorostovsky, Thomas Hampson

  • Basse : Boris Christoff, Cesare Siepi

Chaque catégorie a sa propre tessiture caractéristique, mais il peut également exister des variations au sein de chaque catégorie en fonction des sous-catégories telles que le soprano léger, le baryton-martin, etc.

 

Ambitus et tessiture

Pour bien comprendre le chant, il faut connaître deux notions importantes : l’ambitus et la tessiture vocale. Ils sont un peu différents mais très utiles pour parler de la voix d’un chanteur.

L'ambitus ?

L‘ambitus, c’est comme la gamme complète d’un chanteur, de la note la plus basse à la note la plus haute qu’il peut chanter. C’est toutes les notes qu’il peut faire, même si certaines sont plus difficiles que d’autres.

Par exemple, un chanteur peut chanter du Mi2 au Fa5. C’est toute la plage de notes qu’il peut atteindre, même si certaines notes sont plus faciles à chanter que d’autres.

La tessiture ?

La tessiture vocale, c’est un peu plus précis. C’est la plage de notes où la voix d’un chanteur est la plus confortable et la plus belle à écouter. C’est là où il se sent le mieux quand il chante.

Reprenons notre exemple : même si le chanteur peut chanter du Mi2 au Fa5, sa tessiture vocale réelle pourrait être plus petite, disons du La3 au Do5. C’est là où sa voix sonne le mieux et où il se sent le plus à l’aise.

En résumé, l’ambitus, c’est l’ensemble de toutes les notes qu’un chanteur peut chanter, alors que la tessiture vocale, c’est la plage où sa voix sonne le mieux. C’est important de savoir ça pour comprendre comment fonctionne la voix d’un chanteur et choisir les chansons qui lui vont le mieux.

Connaitre sa tessiture : Les questions à se poser

Pourquoi déterminer sa tessiture ?

Tu pourrais te demander à quoi cela sert de connaître sa tessiture ? Alors déjà, ce qu’il faut que tu saches, c’est que la notion de tessiture est primordiale si tu fais du chant lyrique, elle l’est moins si tu fais du chant moderne, mais tout de même importante et tu vas voir pourquoi.

La tessiture chez un chanteur lyrique

Cela est primordial pour un chanteur lyrique. Chaque morceau ou air a été écrit pour un type de voix en particulier. Le compositeur connait les caractéristiques de chaque voix et compose l’air en fonction de celles-ci.

Par exemple, même si deux sopranos ont le même ambitus il se peut qu’elles ne chantent pas du tout le même repertoire. Il y a des rôles qui seront plus adaptés à telle ou telle tessiture. La tessiture représente alors non seulement une zone de confort mais aussi des caractéristiques précises comme l’agilité, la couleur de voix etc… 

Le compositeur, connaissant la « vocalité » de chaque type de tessiture, n’écrira donc pas de la même façon pour soprano coloratura que pour soprano spinto. 

La tessiture chez un chanteur moderne

Choisir son répertoire : Connaitre sa tessiture est important pour choisir les chansons adaptées à ton type de voix. Effectivement, cela te permettra de savoir dans quel ambitus tu es à l’aise donc de choisir la tonalité du morceau.

Prévention des blessures vocales : Chanter en dehors de sa tessiture peut entraîner une tension excessive sur les cordes vocales, ce qui peut conduire à des blessures vocales telles que des nodules ou des polypes. En restant dans sa tessiture, un chanteur peut éviter ces problèmes.

Meilleure maîtrise technique : En se concentrant sur les notes qui se situent confortablement dans leur tessiture, les chanteurs peuvent développer une meilleure maîtrise technique et un contrôle vocal, ce qui améliore leur performance globale.

Élargissement de la tessiture : Connaître sa tessiture permet également aux chanteurs de travailler sur l’élargissement de leur gamme vocale, en explorant progressivement des notes plus hautes ou plus basses tout en restant dans des limites saines.

Communication avec les compositeurs et les arrangeurs : Lorsqu’ils collaborent avec des compositeurs ou des arrangeurs, les chanteurs peuvent communiquer efficacement leur tessiture pour s’assurer que la musique écrite convient à leur voix.

Maintenant que tu en sais un peu plus, as-tu réussi à déterminer ta tessiture ? 

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Je n’aime pas ma voix : Pour vous qui ne supportez pas votre voix !

Je n'aime pas ma voix... Et j'en souffre...

Si tu as cliqué sur cet article, j’imagine que c’est parce que tu n’aimes pas ta voix et que cela te pèse. Peut-être as-tu déjà entendu des gens te dire que tu chantais mal, faux, ou même ‘comme une casserole’ ? Peut-être aussi que tu ne supportes pas d’entendre ta voix sur un enregistrement ?

Il se peut même que tu sois complexé par ta voix, au point de ne pas oser chanter par crainte de déranger ou de recevoir un ‘tu me fais mal aux oreilles’ en pleine face.

Si tu savais le nombre d’élèves qui me disent : « Je n’aime pas ma voix », « Je chante mal », « Attention, j’espère que je ne vais pas vous casser les oreilles ». 

Je suis là pour t’expliquer ce phénomène et te donner mon avis bien tranché sur la question ! Et bien sûr, je te donnerai aussi des conseils pour améliorer la qualité de ta voix et la rendre plus belle, car oui, il y a des choses que tu peux travailler pour avoir une belle voix !

Dis moi en commentaire ce que tu n’aimes pas dans ta voix… 

Si tu le souhaites tu peux aussi trouver des informations dans cette vidéo, qui t’explique pourquoi tu n’aimes pas ta voix.

Je suis Aurore Germain, professeure de chant et sophrologue, et je peux te dire que des phrases ou des histoires de ce genre, j’en ai entendu des tonnes. Et je dois avouer que je suis parfois choquée… Des personnes se retrouvent à s’empêcher de chanter et à retenir leur voix de peur de chanter devant des gens alors qu’ils aiment cela. Personne ne devrait nous interdire de chanter si cela nous fait du bien et que l’on aime ça. Au-delà d’un droit, c’est un besoin important pour beaucoup de personnes.

Je voudrais commencer par te dire qu’il faut arrêter de penser que c’est uniquement génétique. On ne naît pas avec une belle voix ou une voix moche. Ce n’est pas une fatalité ! Je t’écris cet article pour te faire passer un message clair : les voix moches n’existent pas ! »

Pourtant… 

"On me dit que je chante comme une casserole"

Le larynx est un deuxième cerveau...

As-tu déjà été découragé de chanter parce que quelqu’un t’a dit que tu chantes mal ? Ou peut-être que tu oses chanter malgré tout, en tournant la situation en autodérision ? Aujourd’hui, je veux réagir à ces commentaires désobligeants, ceux du genre « Tais-toi, tu chantes mal », ou pire encore, quand un professeur de chant affirme que tu chantes faux. Ces petites phrases ne sont pas anodines, et je pense qu’il est temps d’en parler.

Beaucoup de mes élèves me confient qu’ils pensent chanter faux ou mal, souvent simplement parce que quelqu’un le leur a dit. Mon avis sur cette question est plutôt tranché, car en tant qu’hypersensible, je ressens profondément le problème. On ne se rend pas compte à quel point ces mots peuvent créer des blocages.

On dit souvent que le ventre est un deuxième cerveau, mais sérieusement, le larynx aussi ! Cette petite phrase peut être traumatisante et humiliante, surtout quand on a un réel désir de chanter. Chez certaines personnes, cela crée des blocages, la voix se serre dans la gorge, et évidemment, le chant ne sonne pas bien. Le larynx est un organe sensible qui réagit aux émotions, c’est très psychologique ! 

"Je n'aime pas ma voix" mais ce n'est pas une fatalité !

Il est important de noter que simplement parce que quelqu’un a dit que tu chantes mal ne signifie pas que c’est vraiment le cas. Premièrement, ces personnes ne sont souvent pas des experts. Je me souviens encore d’une amie d’école primaire qui pensait que je chantais faux. Aujourd’hui, je suis chanteuse lyrique professionnelle et professeure de chant, ce qui prouve que ces jugements précoces ne sont pas toujours fondés.

Deuxièmement, chanter mal à un moment donné ne signifie pas que tu ne pourras jamais chanter juste. C’est une compétence qui s’apprend et se perfectionne avec le temps, même si tu n’as pas nécessairement une voix parfaite dès le début.

Enfin, même si tu es amusique, cela ne devrait pas te décourager. Continue de chanter, prends des cours, progresse à ton rythme. J’ai eu des élèves que je pense être amusiques, mais ils ont trouvé une grande satisfaction dans le chant, tout comme moi.

En résumé, ne laisse pas une simple remarque te décourager. La musique est accessible à tous, et chanter est une compétence qui peut être développée. Alors, libère ta voix et chante avec confiance !

Mais…

Pourquoi je n'aime pas ma voix sur un enregistrement ?

L'oreille interne est différente de l'oreille externe

Sur le plan physiologique, il est essentiel de comprendre que l’écoute de notre voix à l’intérieur est différente de celle des autres à l’extérieur. Lorsque les autres t’entendent chanter, le son traverse l’air pour atteindre leurs oreilles. En revanche, lorsque tu chantes et t’écoutes, la conduction osseuse intervient, créant une différence dans le trajet du son. Cela explique pourquoi tu perçois souvent ta voix comme un peu plus grave, ce qui peut par exemple conduire à la perception d’une voix trop aiguë sur un enregistrement.

Si tu veux entendre ta voix uniquement par conduction osseuse, tu peux te boucher les oreilles, mais même alors, le son sera encore différent.

Tout ça est aussi psychologique

Du point de vue psychologique, il est important de noter que notre voix révèle une partie de notre personnalité. À travers la voix, une personne dévoile des aspects de son être intérieur. Cela crée une connexion indissociable entre la voix et la manière dont les autres nous perçoivent, comme un masque que l’on porte.

Entendre sur un enregistrement que le masque que nous pensions porter n’est pas celui que nous imaginions peut être déstabilisant. Il ne s’agit pas simplement d’une question de belle ou moche voix, des études ont montré que c’est un processus profondément psychologique. En réalité, tu adaptes inconsciemment ta voix en fonction de ton interlocuteur, créant une sorte de projection de personnage.

Lorsqu’on s’entend, le décalage avec notre image mentale peut être déstabilisant, surtout lorsque l’on se juge plus durement que les autres. Cela peut engendrer des préoccupations sur la qualité de notre voix, parfois attribuée à des facteurs génétiques. Un des défis ici réside dans ce décalage entre la réalité perçue et le jugement que l’on porte sur soi-même.

La voix n'est pas figée

Un autre aspect crucial à comprendre est de ne pas confondre le timbre, l’identité de ta voix, avec la couleur et la technique vocale. La technique vocale offre une diversité incroyable de possibilités. On peut affirmer que la notion de « voix moche » n’existe pratiquement pas. Certaines voix peuvent avoir moins de capacités en termes de hauteur, mais cela ne signifie pas qu’elles sont dénuées de beauté.

La clé réside dans la recherche de la mise en valeur de TA voix. Chaque voix a son espace où elle brille. Il est possible de jouer avec différentes couleurs et styles vocaux en modifiant la technique. Toutefois, il est crucial de comprendre que cela concerne la technique vocale, et non le timbre, qui est soumis à des limites physiologiques.

En résumé, il n’y a passe voix moche. La voix est malléable, permettant d’explorer diverses couleurs et styles avec la bonne technique vocale, tout en valorisant l’identité unique de chaque voix.

Mon conseil : S’enregistrer souvent.

et au final…

Comment rendre sa voix plus belle ?

Ne retiens pas ta voix, assume !

Il est crucial de ne pas retenir sa voix, que ce soit en parlant ou en chantant. L’énergie doit être libérée sans hésitation. Il semble que les Français aient parfois tendance à parler à voix basse, presque murmurant. En comparaison, les Espagnols ou les Américains semblent plus assumés dans leur expression vocale. Dans le contexte vocal, oser et s’exprimer pleinement est souvent bénéfique. Cela ne signifie pas crier, bien sûr, mais plutôt éviter de se retenir par crainte de faire trop de bruit ou de déranger. Cette attitude, assumée sans être autoritaire, contribue au développement vocal. Il est important de trouver un équilibre, car parler trop fort peut également entraîner des problèmes au niveau des cordes vocales. L’essentiel est d’assumer sa présence et de prendre sa place de manière authentique.

Prends soin de ta voix !

  • Hydratation : Un point essentiel pour améliorer la qualité de la voix est l’hydratation. Une voix déshydratée peut paraître voilée, moins claire, voire rugueuse. Il est donc crucial de maintenir une hydratation adéquate. Boire suffisamment d’eau favorise une voix plus pure et agréable. Cela est valable tant pour la voix parlée que chantée.
 

  • Respiration : La respiration joue un rôle primordial. Une respiration calme et profonde est nécessaire avant de parler ou de chanter. Chaque inspiration doit être ressentie comme une détente, permettant à tout le système vocal de se préparer. Cela est particulièrement important en cas de stress ou de trac. Un guide de base sur la respiration, surtout utile pour les débutants, est disponible en téléchargement, avec le lien inclus dans la description.

En résumé, libérer l’énergie vocale sans retenue, maintenir une bonne hydratation et adopter une respiration consciente sont des étapes clés pour rendre sa voix plus belle et plus expressive. 

Je t’invite à aller voir l’article Comment avoir une belle voix (chantée) ?, Tu y trouveras pleins de conseils techniques pour améliorer le son de ta voix. J’y fais la liste des défauts (voix nasillardes, voix blanche etc…) et je te donne la cause et la solution pour l’améliorer. 

Si tu es très motivé tu peux également suivre le kit de démarrage en ligne pour te mettre le pied à l’étrier si tu es très débutant. Si tu ne sais pas par où commencer pour travailler ta voix, cette formation en 4 modules est pour toi. 

Formation "Kit de demarrage" pour chanteur débutant. Commencer le chant avec de bonnes bases. formation en ligne avec vidéos préenregistrées et suivi vocal.

Dis moi en commentaire si cet article t’as été utile et ce que tu n’aimes pas dans ta voix. 

A très bientôt !

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Les chanteurs lyriques ne sont pas des super héros !

Les chanteurs lyriques ne sont pas des super héros ?

Apprendre le chant lyrique parait impossible pour certaines personnes. Quand j’aborde ce sujet, je remarque souvent les mêmes réactions. On a tendance à imaginer des scènes de la Castafiore faisant éclater des verres en cristal ou des divas en robes de soirée chantant des aigus stratosphériques sur la scène d’un opéra. Cela crée une idée préconçue que le chant lyrique est un don réservé à quelques élus, et que si on ne possède pas ce don inné, il est inutile d’essayer.

Cependant, il est temps de démystifier ces idées préconçues et de corriger ces croyances erronées. Le chant lyrique est entouré de nombreux mythes, et il est essentiel de comprendre ce qu’il est réellement, mais aussi ce qu’il n’est pas. Permettez-moi de t’expliquer en détail ce qu’implique réellement l’art du chant lyrique et de te montrer toute la beauté qui se cache derrière cette discipline.

Je voudrais commencer par te dire que certains de mes élèves, adorant le lyrique, n’ont pas osé me dire qu’ils souhaitent apprendre cet art. Je dirais même, qu’il se sont auto censuré. Pourtant, certains élèves avec aucune technique, n’ayant jamais fait de musique ont réussi a aborder des oeuvres lyriques ! Alors tout est possible ! C’est une belle victoire personnelle et une grande fierté pour ses élèves.

Mythes : Ce que n'est PAS le chant lyrique

Ce n'est pas QUE de l'opéra !

Laisse-moi te rappeler que le chant lyrique, ce n’est pas que de l’opéra ! En fait, le chant lyrique englobe un vaste répertoire de musique savante occidentale. Bien sûr, l’opéra est l’un de ses genres emblématiques, avec ses chants puissants et ses scènes dramatiques. Cependant, le chant lyrique s’étend bien au-delà de l’opéra pour inclure des joyaux musicaux tels que les oratorios, les mélodies françaises, les cantates, et les lieder, pour n’en nommer que quelques-uns.

Alors, si l’idée de chanter comme la Castafiore te semble un peu intimidante, ne t’inquiète pas ! Le répertoire du chant lyrique offre une variété de pièces adaptées à différents niveaux de compétence. En fait, tu serais surpris de voir à quel point certaines arias d’opéra sont accessibles et peuvent être maîtrisées, même par les débutants. Alors, ne doute pas de tes capacités, il y a une chanson lyrique qui t’attend, et elle pourrait être plus proche que tu ne le penses ! 😊

Le chant lyrique ce ne sont pas que des aigus stratosphériques

Tu sais, le chant lyrique n’est pas du tout cette montagne d’aigus inaccessibles qu’on imagine parfois. C’est une idée reçue que nous pouvons démolir ensemble. Laisse-moi t’expliquer pourquoi !

Tout d’abord, le chant lyrique, c’est comme une garde-robe musicale avec des tenues pour tout le monde. Tout dépend de ta tessiture, c’est-à-dire de la gamme naturelle de ta voix. Si les aigus ne sont pas ton point fort, pas de panique ! Il y a des morceaux adaptés à chaque voix. Du grave au médium, en passant par l’aigu, tout le monde a sa place dans ce merveilleux monde du chant lyrique. 

Et puis, il y a une autre chose à savoir. Parfois, quand on n’a pas l’oreille aiguisée, on peut avoir l’impression que le chant lyrique est tout le temps en haut dans les aigus. Mais en réalité, c’est plus subtil que ça. Les chanteurs lyriques ont cette capacité incroyable à faire vibrer leur voix avec des harmoniques qui donnent cette impression de puissance et de hauteur. Et devine quoi ? C’est une compétence qui se travaille ! 

Donc, que tu sois débutant ou que tu aies une voix avec ses particularités, ne te décourage pas. Apprendre le chant lyrique est accessible à tous, et il est prêt à t’accueillir à bras ouverts. 

Les particularités du chant lyrique

Un vaste repertoire

Imagine le répertoire du chant lyrique comme un trésor musical infini. Il ne se limite pas à une seule époque ou à un seul style. Du baroque au contemporain, en passant par le romantique, le chant lyrique offre une variété incroyable de compositions. Cela signifie que tu peux explorer des pièces qui correspondent à tes goûts et à ta sensibilité musicale. Que tu sois attiré par des mélodies douces ou des airs puissants, le chant lyrique a tout pour plaire. 

Il faudra néanmoins, avec ton professeur, choisir le morceau adapté à ton niveau et à ta tessiture. 

Singing formant

Le « singing formant, » ça peut sembler compliqué, n’est-ce pas ? Mais en réalité, c’est simplement une manière pour les chanteurs de projeter leur voix de façon optimale. C’est le secret des chanteurs lyriques pour pouvoir être entendu sans micro dans une grande salle. Les professeurs de chant t’apprendront comment utiliser les formants pour obtenir un son clair et puissant. C’est comme si tu découvrais un super pouvoir caché de ta voix que tu peux maîtriser !

Une exigence du son

Oui, apprendre le chant lyrique exige de la précision. C’est ce qui le rend si spécial. Chaque note, chaque nuance, chaque émotion doit être transmise avec une précision presque chirurgicale. Mais ne sois pas effrayé par cette exigence, car le chant lyrique t’enseignera la discipline et la rigueur, des qualités qui vont bien au-delà de la musique.

Le chant lyrique : Un apprentissage

Le chant lyrique n'est pas réservé aux voix extraordinaires 

C’est un point essentiel à comprendre. Le chant lyrique n’est pas l’apanage exclusif des voix exceptionnelles. En réalité, il est tout à fait possible de se lancer dans cette aventure même si tu pars de zéro. Bien sûr, la patience est de mise, car le chant lyrique exige du temps et de la pratique. Il n’est pas rare de voir des chanteurs qui, au départ, semblaient « sans voix », découvrir grâce à la technique qu’ils possèdent en réalité une voix magnifique. C’est comme révéler un trésor caché en toi !

Trouver un bon professeur

Pour t’aider dans cette aventure, il est crucial de trouver un bon professeur. Apprendre le chant lyrique en autodidacte, c’est comme tenter de naviguer en eaux inconnues sans boussole. C’est presque impossible. Assure-toi de bien te renseigner sur la formation et l’expérience de ton professeur. Le chant lyrique est un domaine exigeant qui nécessite une spécialisation. Un bon professeur sera ton guide, ton mentor, et t’aidera à développer ton potentiel vocal.

Les étapes clés pour apprendre le chant lyrique

Le voyage dans le monde du chant lyrique suit des étapes. C’est un parcours d’apprentissage progressif qui commence par des bases solides.

  • La respiration : La respiration est le socle de tout chant. Apprends à maîtriser ta respiration pour soutenir ta voix et créer ces notes magiques.

  • La voix sur le souffle : Le chant lyrique repose sur une connexion profonde entre la voix et le souffle. Travaille cette synchronisation pour obtenir une sonorité puissante et contrôlée.

  • Les résonateurs : Tu découvriras comment utiliser les résonateurs dans ta tête pour amplifier et sculpter le son, c’est comme ta baguette magique secrète.

  • L’entraînement régulier : La pratique constante est la clé de la progression. Comme un athlète qui s’entraîne pour une compétition, le chant lyrique demande une pratique régulière pour développer ta voix.

  • Avoir des attentes réalistes : Comprends que le chant lyrique est un mélange de don et de travail acharné. Avoir des attentes réalistes t’aidera à rester motivé et à progresser à ton propre rythme.

Cette vidéo te donne des explications de base pour poser la voix sur le souffle.

SI tu es motivé et que tu souhaites savoir comment commencer le chant lyriqueJe t’invite à lire l’article Comment commencer le chant lyrique ? si tu veux en savoir plus sur la manière d’aborder cet art lorsque l’on est débutant.

Et toi ? As-tu commencé le chant lyrique ? Souhaites-tu t’y mettre ? La communauté du chant lyrique est un lieu d’échange et d’inspiration. Partage tes expériences, tes questions, et tes rêves vocaux. Nous sommes tous ensemble dans cette aventure musicale, prêts à t’accompagner sur le chemin de la découverte.😉

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Comment bien se chauffer la voix avant de chanter ?

A quoi sert un échauffement vocal ?

Contrairement à ce que l’on pourrait penser, l’échauffement vocal se distingue nettement de l’échauffement sportif. Ce dernier est destiné à préparer les muscles à l’effort physique, réduisant ainsi le risque de blessures. Cependant, en ce qui concerne la voix, le risque de blessure est minime, même en l’absence d’un échauffement vocal approprié. L’intérêt de la chauffe vocale n’est donc pas vraiment sur ce point (le claquage de la corde vocale est somme toute assez rare). Si vous me connaissez vous savez que je compare les chanteurs à des sportifs de haut niveau, mais cette fois-ci oui et non, pas totalement !

Néanmoins, il est important de noter que l’absence d’un chauffe vocal adéquat ne garantit pas une performance vocale optimale. Maitriser sa chauffe vocale fait parti des bases pour avoir une excellente technique vocale. 

La chauffe vocal vise à créer les conditions idéales pour une interprétation vocale réussie. Son objectif est surtout de réveiller les sensations vocales appropriées afin de produire le son souhaité avec de bonnes sensations agréables. 

L’échauffement vocal permet de tester la voix pour s’assurer de sa condition et d’apporter des ajustements mineurs si nécessaire, notamment en cas de fatigue, de stress, ou d’autres facteurs perturbateurs (on sait tous à quel point la voix est vulnerable et sensibles à toute sorte de chose). 

L‘essentiel réside dans l’adaptation. La méthode d’échauffement vocal varie en fonction de l’état actuel de la voix et des exigences de la performance à venir. L’approche diffère considérablement si l’interprétation nécessite de maîtriser des notes aiguës exigeantes ou si le répertoire se situe principalement dans des graves. Pas besoin de réveiller le contre fa si tu ne vas chanter que du medium ! C’est du bon sens en fait.

En somme, le chauffe vocal est une étape essentielle pour garantir une performance vocale de qualité. Il a pour but de préparer la voix, de s’adapter à son état et de s’ajuster aux besoins de la performance à venir, optimisant ainsi les chances de réussite.

Combien de temps doit durer un échauffement vocal ?

Eh bien, en matière de chauffe vocal, il n’y a pas de règles strictes, tu vois ! Tout dépend vraiment de l’état de ta voix et de ton type vocal. Par exemple, les voix plus larges ont parfois besoin d’un peu plus de temps pour se mettre en route.

Je me rappelle, quand j’étais plus jeune, le matin, je pouvais presque sauter du lit en chantant un contre-ut sans souci. Mais au fur et à mesure que ma voix s’est élargie, j’ai dû prendre un peu plus de temps pour me préparer.

En général, je dirais qu’il faut au moins 15 minutes d’échauffement. Cela permet de réveiller doucement les cordes vocales, de trouver la bonne sonorité, et d’être prêt pour une belle performance. Mais, attention, il ne faut pas exagérer non plus, on évite de dépasser les 45 minutes. 

L’essentiel, c’est de rester à l’écoute de ta propre voix et de t’ajuster en fonction de ce que tu as à chanter. Le principal, c’est de trouver ton propre équilibre pour donner le meilleur de toi sur scène.

En résumé :

  • Pas de règles strictes en matière de chauffe vocal, ça dépend de ta voix.
  • Les voix plus larges peuvent prendre un peu plus de temps pour se préparer.
  • Un échauffement d’au moins 15 minutes est une bonne règle générale.
  • Il vaut mieux éviter de s’étendre au-delà des 45 minutes.
  • L’adaptation personnelle est la clé !

S'échauffer la voix avant un concert ?

Comme je te le disais, il est essentiel de s’adapter en fonction de ce que tu vas chanter par la suite. Pour un concert, j’ai quelques astuces en poche pour bien chauffer ma voix, surtout si le spectacle est en soirée.

En règle générale, les concerts se tiennent en soirée. Donc, voici ce que je te recommande :

Tout d’abord, essaie d’obtenir une bonne nuit de sommeil. Cependant, je suis conscient que certaines nuits, le sommeil nous joue des tours. Bon, ça arrive à tout le monde ! Alors, le matin, commence doucement en réveillant ton corps avec quelques exercices de respiration et de relaxation. Ensuite, consacre 5 à 10 minutes à des vocalises tout en douceur, du genre des exercices SOVT (Semi-Occluded Vocal Tract), qui sont excellents pour chauffer la voix. Prends ton temps, pas de précipitation.

Pendant la journée, accorde-toi des pauses. Répète ces étapes en milieu de journée, en ajoutant des vocalises pour ouvrir davantage la voix. N’oublie pas de faire une ou deux fois le début de tes morceaux, mais ce n’est pas encore le moment de les interpréter intégralement.

En revanche, tout au long de la journée, tu peux te réserver de petites sessions de chauffe vocale pour maintenir ta voix en forme. Juste avant le spectacle en soirée, ta voix sera déjà bien chaude grâce à ces répétitions. Il te suffira alors de reprendre brièvement quelques sons, en te concentrant sur le début des morceaux, et éventuellement sur une ou deux notes qui peuvent poser problème.

Cependant, si le concert est programmé le matin, l’astuce est de te lever tôt. Cela te permettra d’avoir suffisamment de temps pour préparer ta voix de manière optimale.

En résumé :

  • Pour les concerts en soirée, commence doucement le matin avec des exercices de respiration et des vocalises SOVT.
  • Répète ces étapes en milieu de journée et profite de pauses.
  • Garde quelques sessions de chauffe vocale tout au long de la journée.
  • Juste avant le spectacle, réchauffe brièvement ta voix en te concentrant sur le début des morceaux.
  • Si c’est un concert du matin, lève-toi tôt pour te préparer adéquatement.

Dans quel ordre faire les exercices ?

Passons maintenant à une question cruciale : quelles sont les règles à suivre pour chauffer efficacement la voix ? Garde à l’esprit que, comme je l’ai dit, le chauffe vocal n’est pas une science exacte, et il est essentiel de suivre tes propres sensations et de t’adapter à ta voix. Cependant, voici quelques règles qui peuvent te guider :

Du centre de la voix vers les extrêmes : Il est souvent judicieux de commencer ton échauffement en te concentrant sur le centre de ta tessiture vocale, là où tu te sens le plus à l’aise. Ensuite, progresse doucement vers les notes plus aiguës et plus graves. Cela te permet de préparer progressivement ta voix à l’ensemble de la gamme que tu utiliseras pendant ton interprétation. Imagine-le comme une montée en puissance, où tu explores toutes les nuances de ta voix, du plus doux au plus puissant.

Respiration, Détente, Voix sur le souffle, Résonance faciale : Divise ton échauffement en plusieurs étapes. Tout d’abord, concentre-toi sur la respiration. Assure-toi que ta respiration est profonde et contrôlée. Ensuite, travaille sur la détente de la gorge et de la mâchoire. Une gorge tendue peut entraver ta performance vocale. Ensuite, concentre-toi sur la voix « sur le souffle », ce qui signifie que tu engages le son dès l’expiration de l’air, favorisant ainsi une sonorité plus fluide. Enfin, dirige ton attention vers la résonance faciale. Cela signifie que tu orientes ton son vers le masque facial, en te concentrant sur la résonance qui se produit autour de tes sinus. Cela contribue à obtenir un son clair et bien projeté.

En suivant ces règles, tu prépareras ta voix de manière progressive, en travaillant sur la respiration, la détente, la sonorité et la résonance. Cela t’aidera à te sentir prêt à offrir une performance vocale de qualité.

Résumé :

  • Le chauffe vocal est une question de sensation personnelle et d’adaptation.
  • Commence par le centre de ta voix et progresse vers les notes extrêmes.
  • Divise l’échauffement en étapes : respiration, détente, voix sur le souffle, résonance faciale.
  • L’échauffement progressif t’aidera à préparer ta voix pour une performance optimale.

Exemple d'échauffement vocal

Voici une idée de routine de chauffe vocale classique en suivant ces étapes :

  1. Exercice de respiration et détente du diaphragme : Démarre ton échauffement en te concentrant sur la respiration. Si tu sens que ton diaphragme est tendu, essaie de le détendre. Tu trouveras sur ma chaine Youtube des exercices pour détendre le diaphragme. Assure-toi que ta respiration est profonde et contrôlée.

  2. Exercice de tonicité du diaphragme (sss rapide) : Pour renforcer le diaphragme, pratique des « ss » rapides avec une grande émission d’air, en rentrant le ventre. Cet exercice aide à développer la force et la souplesse du diaphragme, ce qui est bénéfique pour la gestion de l’air pendant le chant.

  3. Exercice SOVT (Semi-Occluded Vocal Tract) : Les exercices SOVT sont excellents pour mettre la voix sur le souffle. Utilise une paille ou d’autres outils spécialement conçus pour les SOVT. Concentre-toi sur le centre de ta tessiture vocale. Cela contribue à équilibrer la pression de l’air et à préparer la voix pour une performance optimale. Je t’invite à aller voir mon article sur l’exercice de la paille et ma vidéo Youtube sur ma chaine Apprendre à chanter. 

  4. Réveil du masque (Moito) : Dirige ton attention vers le masque. Fais des vocalises qui mettent en évidence la résonance faciale. Imagine le son qui se propage autour de tes sinus et du haut de ton visage. Cela aide à produire un son clair et « projeté ». Placer la voix dans le masque est primordial, c’est le centre de la voix !

  5. Exercice de voyelle voix ouverte : Termine ton échauffement en pratiquant une voyelle en voix ouverte. Choisis une voyelle sur laquelle tu es à l’aise. Il n’y a pas de règle, certains aiment le « i » et d’autre à l’inverse le son presque opposé le « A ». 

En suivant cette routine de chauffe vocale classique (au sens « qui conviendra » au plus grand nombre), tu travailles sur la respiration, la tonicité du diaphragme, la sonorité, la résonance du masque et l’ouverture vocale, ce qui t’offrira une préparation solide pour briller sur scène. Une bonne base. 

N’oublie pas que l’adaptation à tes propres besoins et sensations est essentielle. Prends le temps dont tu as besoin pour chaque étape et n’hésite pas à personnaliser cette routine en fonction de ta voix et de ton style vocal.

Dis moi en commentaire quelles sont les exercices que tu fais pour te chauffer la voix ! Si tu te poses encore des questions, écris les en commentaire ! A bientôt !

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Comment commencer le chant lyrique ? Guide complet

Comment commencer le chant lyrique ? Guide complet

Si l’envie d’apprendre le chant lyrique vous anime, que vous soyez encore aux premiers pas de votre parcours ou totalement débutant, cet article vise à vous guider pour commencer le chant lyrique. Vous y trouverez toutes les informations nécessaires avant de vous lancer dans cette discipline artistique.

En tant que chanteuse lyrique et professeur de chant, je vois beaucoup de personnes hésitant à se lancer dans le chant lyrique, tout simplement parce qu’elles ne savent pas réellement ce que c’est, quoi faire, ni comment se lancer. Alors ne vous inquiétez pas, vous aurez la réponse à toute vos questions à la fin de ce guide ultime. 

Une voix lyrique demande un travail régulier et long, il faut souvent au minimum 10 années d’études pour faire une voix lyrique professionnelle. Autant vous dire qu’il faut être passionné ! Ce qui est mon cas. En revanche, pas de panique ! Pas besoin de 10 ans de travail acharné si vous ne souhaitez pas être professionnel, l’opéra est abordable par tout le monde, ou presque. Je vous explique tout cela dans cet article.

Qu'est ce que le chant lyrique ?

Le chant lyrique (ou chant « classique ») englobe l’intégralité du répertoire vocal de la musique classique, s’étendant des époques passées à nos jours. Cette technique vocale est employée dans les expressions artistiques lyriques telles que l’opéra, les lieder et les mélodies françaises ou encore dans la musique sacrée telle que des oratorios, requiem, stabat mater…

Le chant lyrique représente à la fois une technique vocale spécifique et un style musical particulier. Cette technique lyrique a évolué principalement en raison de l’exigence pour les chanteurs de se produire sans l’aide de micro, ce qui demande une grande maîtrise et « projection vocale ». Je dirais que les chanteurs lyriques sont des sportifs de la voix, et de haut niveau ! Bien sûr, certains morceaux du répertoire requièrent une grande maîtrise technique. Cependant, soyez rassurés, il y a aussi de nombreuses pièces musicales très abordables, et nous y reviendrons plus tard !

Souvent opposée dans l’imaginaire collectif à la méthode de chant moderne (quoiqu’elles partagent de nombreuses similitudes), la technique lyrique est parfois adoptée par des chanteurs de genres tels que le métal (Nightwish, Epica…). Il est intéressant de noter que certains chanteurs contemporains, à l’instar de Lara Fabian et Nolwenn Leroy, ont amorcé leur parcours artistique par le chant lyrique. Le style lyrique fait parfois immersion dans le monde moderne, on peut citer le concert de Freddy Mercury et Montserrat Caballé lors de l‘ouverture des Jeux Olympiques. 

Est ce que tout le monde peut faire du chant lyrique ?

Le chant lyrique est parfois perçu comme réservé à une élite, avec des préjugés le qualifiant de « trop difficile », « trop aigu », ou encore « trop puissant », ce qui le rendrait inaccessible. N’oublie pas que les chanteurs lyriques ne sont pas des super héros, cela s’apprend ! Pourtant, la technique lyrique n’est en aucun cas hors de portée ! Cependant, si l’objectif est d’atteindre un niveau avancé dans cette discipline, quelques éléments doivent être pris en compte :

  1. Maîtrise du solfège (un « plus ») 

    Que ce soit dans le contexte de l’opéra, du lied ou de la cantate, il est préférable de savoir lire une partition. Ce n’est pas une obligation surtout si vous le faites comme loisir et puis, les bases du solfège peuvent être apprise très vite !

  2. Santé des cordes vocales 

    Le style « lyrique » exige un son pur et puissant. Si des pathologies telles que polypes, nodules, œdèmes ou autres affectent les cordes vocales et entravent leur vibration adéquate, l’atteinte des objectifs devient difficile. Néanmoins, des cours de chant lyrique peuvent être bénéfiques en accompagnant une rééducation vocale. L’apprentissage d’une respiration adéquate et d’une technique vocale saine peut contribuer à améliorer certaines pathologies vocales.

  3. Justesse vocale 

    Indubitablement, chanter juste est impératif pour exceller en chant lyrique, tout comme pour tout autre style musical. Si vous êtes débutant et que votre justesse n’est pas encore au point, cela peut être corrigé par le travail avec votre professeur de chant. Il suffit de travailler son oreille et/ou sa technique vocale pour corriger la justesse. Seul environ 2% de la population ne pourrait pas améliorer la justesse de la voix. 

  4. Affinité avec l’aspect théâtral 

    L’apprentissage du chant lyrique s’accompagne souvent d’opéra, impliquant ainsi une dimension scénique. Si l’objectif est de parvenir à un niveau élevé, il se peut que vous deviez travailler l’aspect théâtral, sans que cela soit un obstacle. En effet, cela fait partie intégrante de l’essence même de l’opéra.

Photo de Michael Maasen sur Unsplash

Commencer le chant lyrique au bon moment ?

  • Aucune limite d’âge pour le chant lyrique

Le chant lyrique peut être entamé à tout âge après la mue vocale. Il n’est jamais « trop tard » pour cela. Une fois la mue effectuée, l’apprentissage du chant lyrique peut débuter, quelle que soit l’étape de la vie. Certains chanteurs lyriques professionnels ont commencé sur le tard ! 

  • Approfondir la technique vocale après la mue

Il est important de noter que l’approfondissement de la technique vocale doit être réservé après la mue vocale. Cela vaut également pour les jeunes femmes, car elles connaissent également ce changement vocal vers l’âge de 16 ans. 

  • Éveiller l’oreille et la musicalité dès l’enfance

La pratique du chant peut débuter dès le plus jeune âge pour favoriser le développement de l’oreille musicale et de la sensibilité artistique. Ce n’est pas une obligation, mais un plus si l’on souhaite mettre toutes les chances de son côté pour en faire son métier. 

  • Envisager une carrière de chanteur d’opéra professionnel

Pour ceux qui aspirent à une carrière de chanteur d’opéra professionnel, il est recommandé d’entamer le travail sur la technique vocale autour de 16 ans. Si possible, une initiation précoce à la musique avec un instrument ou une maîtrise vocale peut être bénéfique pour préparer le terrain en amont.

Commencer le chant lyrique à l'âge adulte ?

Est-il possible de commencer le chant lyrique à l’âge adulte ?

Oui, oui et oui. Et je peux même vous dire que c’est une grande partie de mes élèves.

Ce qu’il faut savoir :

Avec l’âge les cordes vocales peuvent être un peu moins performante, c’est assez minime. Chez les femmes, après la ménopause la voix devient plus grave. Donc oui, la voix change en vieillissant, mais ce n’est en aucun cas un frein à l’apprentissage du chant lyrique. En revanche, peu importe l’âge, il faut beaucoup travailler pour obtenir des résultats ! Je ne vous apprends rien.

Peut on devenir chanteurs lyriques professionnel en commençant à l’age adulte ?

Je ne dirais pas que c’est la voie la plus fréquente, mais tous les chanteurs lyriques professionnels n’ont pas commencé très jeune. Et c’est vraiment en cela, que le chant diffère des instruments de musique. Pour devenir pianiste classique professionnel, il faut vraiment commencer très jeune (certains dès 4 ans). Le chant c’est différent. 

Pavarotti commence srieusement le chant à 19 ans. Il a été instituteur avant d’être chanteur. 

Natalie Dessay a d’abord fait du théâtre avant de se mettre sérieusement au chant. 

Se remplir les oreilles du répertoire lyrique

Avant de débuter l’exploration de ta propre voix, il est essentiel de se familiariser avec le style lyrique en écoutant attentivement le répertoire. Je te recommande d’écouter une variété de voix, qu’elles soient actuelles ou anciennes, dans une gamme de tessitures et de périodes diverses.

Quelques chanteurs lyriques incontournables (la liste est loin d’être exhaustive !) :

Diversité des époques de la musique classique

  • Musique baroque (1600-1750)

  • Musique de la période « classique » (1750-1800)

  • Musique romantique (1800-1900)

  • Musique moderne (1900-1945)

Chaque époque et chaque style musical requièrent des compétences vocales spécifiques. Par exemple, les opéras de Wagner exigent des voix d’une puissance exceptionnelle en raison de l’orchestration chargée de ces rôles.

Le chant lyrique ce n’est pas que l’opera !

Lorsque l’on évoque le chant lyrique, l’opéra est souvent le premier genre qui vient à l’esprit, mais il représente seulement une partie du répertoire des chanteurs lyriques. Chaque genre musical implique un style de chant et une interprétation particulière. Chanter un opéra bel canto du XIXe siècle diffère considérablement de l’interprétation d’un motet du XVIe siècle.

 

Principaux genres abordés lors des études de chant

  • Airs d’opéra

    Il est courant de commencer par des airs d’opéra baroque (on pense par exemple au Lascia ch’io pianga dans Rinaldo de Handel) ou par des airs d’opéra de Mozart.

  • Mélodies françaises

    Tous les chanteurs lyriques sont passés par les fameuses mélodies de Fauré. 

  • Lieder

    Idem, pour les lieder de Schubert. 

  • Musique sacrée ou religieuse

On pense par exemple au Pie Jesu de Fauré.

En t’immergeant dans ces différents aspects du répertoire, tu pourras mieux appréhender les spécificités du chant lyrique.

Où et avec qui apprendre le chant lyrique ?

Si on trouve des autodidactes dans le domaine du chant moderne (technique moderne), le chant lyrique suppose d’avoir un professeur de chant qui connaisse et pratique le chant lyrique. Il s’agit d’une technique précise et éxigente qui nécessite un accompagnement par quelqu’un de compétent. Vous pouvez trouver cet accompagnement à divers endroits ou dans différentes structures :

Conservatoire : rigueur et le professionnalisme 

Le conservatoire offre des cours de chant lyrique accessibles à partir d’environ 16 ans. Avant cela, une intégration dans des cours de chœur est souvent envisageable. L’atout majeur du conservatoire réside dans la qualité et l’exhaustivité de la formation qu’il propose. Les élèves bénéficient également de cours de solfège, de chorale et éventuellement d’autres spécialités telles que l‘art lyrique ou l’histoire de la musique, en fonction du niveau. 

Le conservatoire impose un rythme rigoureux et chaque année doit être validée par une audition devant un jury. Le répertoire d’examen comprend généralement 2, 3 ou 5 morceaux de styles et d’époques variés, accompagnés par un pianiste. 

Cependant, le conservatoire peut engendrer du stress pour certains. 

Il offre une perspective professionnalisante pour ceux qui le souhaitent. 

Les cours au conservatoire sont principalement destinés aux enfants et aux adolescents pour les instrumentistes. Pour le chant, il est difficile d’intégrer le conservatoire après 25 ans, à moins de rentrer directement dans un cycle supérieur. 

École de musique : Adaptabilité et liberté

L‘école de musique représente une option solide pour l’apprentissage du chant lyrique. Dans ce cas, il n’y a pas d’examens obligatoires, ni d’obligation de suivre des matières telles que le solfège ou la chorale. Cette option n’a pas vocation à être professionnalisante. Contrairement au conservatoire, les écoles de musique offrent également des cours aux adultes amateurs intéressés.

Professeur particulier : Apprentissage personnalisé et approfondi 

Opter pour un professeur de chant particulier écarte l’obligation de concerts ou d’examens, tout en offrant davantage de temps individuel. Dans certains cas, des cours particuliers peuvent être nécessaires pour préparer une admission au conservatoire. Ces cours se concentrent essentiellement sur la technique vocale et ne permettent pas une pratique collective du chant. Bien que cette option soit généralement plus coûteuse, elle peut être bénéfique pour un apprentissage personnalisé et approfondi. 

Alors si tu veux commencer le chant lyrique, n’hésite pas à me contacter pour en discuter. 

Les plus beaux morceaux pour commencer le chant lyrique

Les "arie antiche", méthode pratique et airs magnifiques !

Si vous vous demandez par où commencer en termes de morceaux, il est vrai que le choix est important. Je vous recommande d’explorer les « Arie Antiche« . Il s’agit d’airs baroques qui ont été rassemblés et réarrangés dans une méthode au XXe siècle. Ces airs sont à la fois magnifiques et accessibles. Un avantage supplémentaire est qu’ils ont été transposés dans plusieurs tonalités. Vous trouverez des méthodes adaptées pour voix haute (high voice) et voix basse (low voice), ce qui vous permettra de sélectionner celle qui vous convient le mieux. Dans certaines éditions, il est fournit tous les accompagnements piano dans différentes tonalités pour s’entrainer. C’est extrêmement pratique !

C’est un excellent point de départ pour ceux qui cherchent à développer leur technique vocale. 

Ecoutez l’un de ses airs chanté par la grande « barroqueuse » Cécilia Bartoli

Vaccai : La méthode progressive italienne "BEL CANTO"

Il existe aussi la méthode « Vaccai » avec des « études » par thème. C’est un vieille méthode un peu la vieille école mais très interessante.

Chaque étude travaille un aspect en particulier. La première travaille la seconde, puis la tierce etc…. C’est une méthode progressive qui est efficace. 

Voici un support pour chanter les vaccai, vous pouvez voir à quoi cela ressemble. Il s’agit ici de l’étude pour la tierce pour voix haute (soprano ou ténor) 

Comment devenir chanteur lyrique professionnel ?

Le cheminement le plus fréquent implique de suivre un parcours au conservatoire, d’obtenir le Diplôme d’Études Musicales, puis de se diriger vers un pôle supérieur ou un conservatoire supérieur, voire de passer des concours. Une autre option consiste à être repéré par le biais de concours tels que ceux organisés à Marmande, sans nécessairement avoir été inscrit au conservatoire. Cependant, il est crucial de garder à l’esprit qu’avant de songer à faire du chant lyrique son métier, un engagement considérable en termes de travail est requis. L’exigence artistique et les heures de pratique sont des éléments essentiels à prendre en compte.

Comment se déroule un cours de chant lyrique ?

Échauffement et vocalises 

Un cours de chant lyrique débute toujours par des échauffements vocaux pour réveiller la respiration et la voix. Les vocalises sont utilisées pour travailler la technique vocale et renforcer la voix. Le chant lyrique exige une grande quantité de travail et de répétition pour maîtriser ses aspects. Il faut savoir échauffer sa voix et acquérir une excellente technique vocale. 

Travail du répertoire 

La séance se poursuit avec l’exploration de morceaux adaptés à la tessiture vocale de l’apprenant. Le travail se concentre sur les défis techniques du morceau, le style, la prononciation, le phrasé, le rythme et l’interprétation globale.

Les caractéristiques de la technique vocale lyrique résumées de façon claires

Chant lyrique vs chant moderne ?

L’un des principaux attraits du chant lyrique, en plus du plaisir qu’il procure, réside dans l’acquisition d’une technique vocale extrêmement solide. Cette technique peut faciliter la transition vers d’autres genres musicaux (bien qu’ajustements soient nécessaires). Le chant lyrique se fonde sur une voix non amplifiée, dont la projection se base sur les résonateurs naturels du corps et l’usage technique de la voix. Bien que rigoureux, c’est un processus long. Les femmes utilisent fréquemment une technique de voix de tête puissante (sans micro). 

En revanche, le chant moderne privilégie plutôt la voix de poitrine, même pour les femmes (avec micro). Cette voix est similaire à celle que nous employons en parlant, ce qui peut sembler plus familier. Cependant, la voix de poitrine sollicite des muscles plus lourds que la voix de tête, demandant donc une technique solide pour éviter de fatiguer la voix.

Le choix vous appartient maintenant ! Si vous lisez cet article, il est probable que vous ayez opté pour le chant lyrique. Alors bienvenue dans cette passionnante aventure ! Vous allez découvrir votre voix, l’ouvrir, la libérer et profiter des bienfaits du chant. 

Les bases de la techniques lyriques : La clé pour une maitrise vocale exceptionnelle

Voici les ingrédients de la technique vocale lyrique (beaucoup sont commun à d’autres styles) :

1/ Une technique de respiration exemplaire

La respiration du chanteur lyrique doit être adaptée. Il faut acquérir une inspiration abdominale et détendue, et un soutien vocal en béton. 

2/ Une voix libre sur le souffle 

Les cordes vocales doivent vibrer sainement, c’est ce qu’on appelle poser la voix sur le souffle. Pour cela, l’exercice de la paille vous fera beaucoup de bien. 

3/ Un soutien vocale digne d’un sportif de haut niveau 

Le diaphragme doit être musclé pour soutenir la voix !

3/ Un singing formant en béton (le masque)

Le résonateur du masque est très développé. 

4/ Des résonateurs très développés. 

Je vous apporte des éléments de réponse dans cette courte vidéo 

Les pires conseils à ne pas écouter : Ne vous laissez pas avoir !

1/ Bailler le son ! 

NON, le chant lyrique n’est pas du chant moderne avec l’ajout d’un son baillé ! 

2/ Reculer la langue 

AU CONTRAIRE, reculer la langue vous donnera l’impression d’avoir un son lyrique mais ce ‘est pas du tout le bon chemin pour l’obtenir. 

3/ Pas de consonne 

AU CONTRAIRE, les consonnes doivent être crachées pour être bien comprises. 

4/ Projeter la voix loin vers le devant 

La voix doit effectivement être projetée. Mais pour cela, il faut developper le singing formant (le masque) et non pas « pousser » la voix vers l’avant. 

Conclusion

Maintenant que vous y voyez plus clair, et que vous avez défini vos objectifs, passez à l’action !

 Il n’y a plus d’excuses pour ne pas commencer le chant lyrique, vous savez tout. 

Alors, par quoi allez vous commencer ? Commencez à écouter le repertoire, contacter un professeur de chant ou une structure ? Quel est votre projet ? Pour le plaisir ? Pour devenir professionnel ? 

N’hésitez pas à me raconter tout cela en commentaire. Si vous vous posez encore des question à l’issu de la lecture de cet article, écrivez-les en commentaire !

Si tu es sur ce blog, c’est probablement parce que tu souhaites apprendre à chanter.

Tu trouveras des vidéos de technique vocale sur ma chaîne YouTube « Aurore Germain – Apprendre à chanter » pour t’aider dans ton apprentissage. 

De plus, si tu es débutant et que tu souhaites être guidé étape par étape pour poser ta voix de manière saine, tu peux jeter un œil à la formation de chant pour débutants que j’ai créée. C’est un véritable kit de démarrage pour tous ceux qui veulent se lancer dans le chant avec confiance et assurance.

 

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